Lo spazio del sacro,

installazione, 150x150, 2013

 

Lo spazio del sacro è un’installazione che si articola come una mappa simbolica, un luogo meditativo in cui il corpo, la spiritualità e l’energia si intrecciano. Al centro della composizione, una griglia di specchi riflette e moltiplica la presenza di grandi cuori bianchi in gesso, ognuno accompagnato da un oggetto appartenente a diverse tradizioni religiose: una Bibbia, alcune kippoth ebraiche, un calice cattolico, una campana tibetana, delle candele ortodosse, un tappeto di preghiera musulmano.

Attorno a questi cuori, come reliquie sospese, sacchi contenenti carbone vegetale: materia viva, oscura e carica di potenziale trasformativo. Il carbone – residuo e risorsa, combustione e nutrimento – diventa metafora dell’energia vitale e spirituale che ogni religione custodisce e trasmette, al di là delle forme e dei dogmi.

L’opera costruisce così un percorso sincretico e laico, dove il sacro si manifesta nella diversità dei linguaggi, nell’universalità del cuore come centro emotivo e simbolico, e nel fuoco come principio comune di vita, memoria e trascendenza. Lo spazio del sacro non propone una sintesi, ma un ascolto: un invito a riconoscere l’altro attraverso il battito condiviso dell’umanità.

 

 

Sette battiti - fedi in ascolto

installazione, 150x120 cm, 2013

L’opera si configura come un luogo sospeso tra materia e spiritualità, in cui simboli religiosi, anatomia e riflessi si intrecciano in un gesto di apertura verso l’altro. Una parete specchiante accoglie un tappeto di preghiera musulmano, su cui si adagiano dieci kippoth ebraiche. A questi elementi si affiancano sei cuori anatomici in gesso bianco e un cuore in bronzo, fulcro simbolico e pulsante della composizione.

Il titolo allude tanto alla presenza fisica dei cuori quanto alla tensione interiore verso l’empatia e il dialogo. Ogni battito rappresenta una voce, una fede, un'identità, non in competizione, ma in ascolto reciproco. Lo specchio non riflette solo chi osserva, ma diventa spazio di risonanza e riconoscimento, invitando lo spettatore a riconoscere l’umanità condivisa oltre le differenze.

In un tempo in cui la convivenza tra culture e religioni è spesso messa in discussione, l’installazione propone una visione altra: quella di una multireligiosità come possibilità, come intreccio vivo di forme, memorie e desideri di appartenenza. Il cuore – organo universale, fragile e potente – diventa allora emblema di una sacralità comune, che pulsa nel silenzio del rispetto e dell’ascolto.

 

 

Anatomia dello spirito: cuori del mondo

Installazione con cuori in resina, 150x120 cm, 2013

 

In questa installazione composta da sei cuori a dimensione naturale cristallizzo in resina simboli materiali appartenenti a diverse tradizioni religiose: un calice e una Bibbia per il cattolicesimo, candele per l’ortodossia, una campana per il buddhismo, un tappeto di preghiera per l’islamismo e un cappello haredi per l’ebraismo.

Ogni cuore custodisce al suo interno un oggetto, come se fosse una reliquia del sacro, un frammento di fede incorporato nella materia viva. L’opera assume così la forma di una mappa anatomica del credere, in cui spiritualità e corpo si fondono, superando confini geografici e dottrinali.

La resina diventa strato di memoria, tempo sospeso, pelle trasparente che protegge e rende visibile ciò che solitamente è invisibile: la possibilità concreta di un dialogo tra culture, spiritualità e visioni del mondo.

In un tempo segnato da tensioni identitarie e conflitti, si propone la multireligiosità come orizzonte fertile e necessario per le società contemporanee.

Un’opera che invita a guardare dentro, oltre la superficie, per ritrovare, nel cuore, la traccia più profonda del nostro essere nel mondo.

Nell’opera ho voluto trovare un equilibrio tra forma organica, oggetto simbolico e spazio espositivo.

I cuori in resina diventano quasi reliquiari, sospesi tra biologia e spiritualità, con un'estetica che evoca tanto la scienza medica quanto il mistero sacro.

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Serie Anatomia del sacro

3 opere su tela con cuore in gesso

Con la serie Anatomia del sacro, ho deciso di esplorare

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Serie Anatomia del sacro

3 opere su tela con cuore in gesso

Con la serie Anatomia del sacro, ho deciso di esplorare il cuore umano non solo come organo pulsante, ma come luogo simbolico dell’identità, della memoria e della relazione. Attraverso l’assemblage di cuori anatomici su piccole tele, trattate come reliquiari contemporanei, la mia opera diventa un gesto di ricucitura tra corpo e spirito, tra biologia e trascendenza.

I colori — turchese, grigio, verde — non sono solo scelte cromatiche, ma veicoli di significato. Il turchese di Radici del respiro richiama l’elemento aria e l’atto vitale del respirare, collegandolo alle origini profonde del vivere. Il grigio di Liturgia del battito evoca la sacralità del ritmo cardiaco, come una preghiera interiore che scandisce il tempo dell’esistenza. Il verde di Carta di soggiorno allude alla condizione precaria e migrante della vita stessa, che chiede riconoscimento, accoglienza, diritto d’asilo nel mondo.

Queste opere si pongono come frammenti sacri in un tempo desacralizzato, moniti silenziosi a riconoscere la dignità della vita in ogni sua forma, oltre ogni confine culturale, geografico o spirituale. Il cuore, materia e simbolo, si fa custode di una spiritualità incarnata: fragile, ma essenziale per la sopravvivenza etica del nostro tempo.

 

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Serie cuori di memoria

La serie Cuori di memoria intreccia materia e simbolo, corpo e spirito, in un dialogo visivo e poetico

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Serie cuori di memoria

La serie Cuori di memoria intreccia materia e simbolo, corpo e spirito, in un dialogo visivo e poetico con l’idea di sacralità incarnata. Quattro opere – su carta e su tela – ospitano cuori anatomici applicati come segni vitali, concreti e universali. Ogni cuore è attraversato dal tempo: cristallizzato su supporti che custodiscono tracce di memoria visiva e sonora (Memoria video e Memoria audio), o inscritto nel ritmo primordiale della vita (Battito fetale e Soffio vitale).

Con questa serie l’idea è di comporre una sorta di mappa emotiva e sensoriale, dove i media analogici (negativi fotografici, nastri magnetici) diventano reliquie del vissuto e del sentire. Il cuore, organo fragile e potente, assume una dimensione sacrale, eco dell’umano e del cosmo, punto d’incontro tra biologia e trascendenza, intimità e memoria collettiva.

In linea con il tema della mostra Spazio del sacro. Ecologia integrale, le opere invitano a riflettere sul legame tra corpo e ambiente, tra interiorità e responsabilità verso il vivente, in una visione olistica e profondamente umana dell’arte.

 

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Frammenti per una Nuova Preghiera: geometrie della Tolleranza

è una serie di dieci opere su tela (25×20 cm), in cui tappeti di preghiera musulmani in miniatura, provenienti dai suk di Abu Dhabi, vengono applicati, in

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Frammenti per una Nuova Preghiera: geometrie della Tolleranza

è una serie di dieci opere su tela (25x20 cm), in cui tappeti di preghiera musulmani in miniatura, provenienti dai suk di Abu Dhabi, vengono applicati, in parte tagliati, su superfici pittoriche geometriche. Le cromie dei dipinti dialogano con le texture dei tessuti, esaltandone motivi e simboli.

E’ un progetto che parlando di viaggio, spiritualità e memoria culturale apre a una riflessione importante su trasformazione, rigenerazione e accoglienza del pluralismo spirituale.

Le opere sembrano porsi come rito laico di cucitura tra frammenti di fede e gesto artistico dando nuova forma al sacro attraverso l’astrazione e la materia vissuta.

Il tappeto, oggetto sacro e quotidiano, qui perde la sua interezza formale ma non il suo valore spirituale: attraverso il gesto artistico, si rigenera in un nuovo linguaggio visivo. I frammenti non denunciano la perdita, ma diventano segni di rinnovamento e accoglienza spirituale, aprendo lo spazio dell’opera a una riflessione più ampia sulla multireligiosità e sul bisogno contemporaneo di convivenza tra fedi e culture diverse.

Ogni tela è un altare astratto, una soglia che unisce estetica e etica, tradizione e trasformazione, offrendo una visione poetica di fede come processo e non come rigidità.

 

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Siddurim – Resti dei Libri di Preghiera

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Siddurim – Resti dei Libri di Preghiera

 

I frammenti dei libri di preghiera, rinvenuti nel ghetto di Białystok, sono rimasti per oltre 80 anni nell’edificio della vecchia sinagoga. Un luogo che, un tempo, era il cuore pulsante della vita spirituale della comunità ebraica locale e che oggi ospita una galleria d’arte contemporanea e la sede della Cultura Ebraica. Nonostante la trasformazione, lo spazio mantiene il suo significato profondo di testimone vivente della storia e memoria di coloro che cercavano rifugio e speranza, ma le cui vite furono drammaticamente stravolte dagli eventi tragici della guerra.

 

I resti di quei libri, con le pagine strappate e i frammenti di carta che sono riusciti a sopravvivere, sono diventati parte integrante di un’opera d’arte realizzata dall'artista Marco Angelini utilizzando i resti originali donati dalla Galleria Sleńdzińskich, provenienti dalla Sinagoga Cytron di Białystok, situata in via Waryńskiego 24A.

 

I resti dei libri di preghiera Siddurim, pur nella loro frammentarietà, sono il simbolo di speranza, fede, ma anche di sofferenza e perdita. Continuano a parlare, a raccontare le storie di chi non è riuscito a sopravvivere a causa delle barbarie della seconda guerra mondiale e di chi, come noi, non li ha dimenticati. I loro frammenti restano come un monumento alla memoria collettiva.

 

Jan Kozaczuk

 

 

 

Sidury – Szczątki Modlitewników

 

Fragmenty modlitewników, które odnaleziono na terenie getta w Białymstoku, przez ponad 80 lat spoczywały w budynku dawnej synagogi. Miejsce, które niegdyś stanowiło centrum życia duchowego społeczności żydowskiej, dzisiaj pełni rolę współczesnej galerii sztuki, będącej siedzibą Kultury Żydowskiej. Mimo zmiany funkcji, przestrzeń ta wciąż zachowuje głęboki symbolizm: jest żywym świadkiem zbiorowej pamięci, miejscem, które pamięta tych, którzy szukali w nim schronienia i nadziei, ale których losy zostały tragicznie przerwane przez wydarzenia wojenne.

 

Szczątki tych modlitewników, zniszczone kartki i fragmenty papieru, które udało się ocalić, stały się częścią współczesnej twórczości artystycznej. Praca, stworzona przez artystę Marco Angeliniego, została wykonana z oryginalnych obiektów przekazanych przez Galerię im. Sleńdzińskich, pochodzących z Synagogi Cytronów w Białymstoku, mieszczącej się przy ul. Waryńskiego 24A.

 

Sidury, mimo swojej fizycznej fragmentaryczności, stanowią symbol nadziei, wiary, ale także cierpienia i straty. Przerwane przez okrucieństwo II wojny światowej, ich resztki nadal przemawiają, opowiadając historie tych, którzy nie przeżyli, oraz tych, którzy, jak my, nie zapomnieli.

 

Jan Kozaczuk

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Installazione site specific

Cuori del loto / Cuori dormienti. L’invisibile che connette

 

Nella sala principale del Museo

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Installazione site specific

Cuori del loto / Cuori dormienti. L’invisibile che connette

 

Nella sala principale del Museo Archeologico, un’installazione sospesa trasforma lo spazio espositivo in un luogo di contemplazione silenziosa e simbolica. Una fitta rete di fili di lana, tesi tra una ringhiera e l’altra come una ragnatela, avvolge lo sguardo e invita alla riflessione.

Al di sotto, antichi reperti archeologici giacciono come testimoni di civiltà scomparse; sopra, adagiati con una leggerezza quasi irreale, cuori anatomici colorati — a grandezza naturale — riposano, dormienti, come sospesi tra memoria e presente. Tra di essi, fiori di loto si posano sulla ragnatela di lana, richiamando la purezza e il risveglio spirituale propri del buddhismo del Sutra del Loto, cardine della filosofia Soka Gakkai.

La lana, materiale vivo, organico, caldo, tesse relazioni tra tempo umano e tempo naturale, tra passato remoto e fragilità contemporanea. La ragnatela, delicata e resistente al tempo stesso, diventa metafora di ciò che ci connette: legami invisibili tra gli esseri viventi, tra cultura e natura, tra l’umano e il sacro.

I cuori dormienti rappresentano l’essenza della vita, ma anche la sua vulnerabilità: la necessità di cura, di silenzio, di ascolto. Sono simboli di un'umanità che riposa — forse ferita, forse in attesa — in bilico tra l'oblio e la rigenerazione.

In questo dialogo tra materiali morbidi e materiali duri, tra carne simbolica e pietra millenaria, l’opera invita a riscoprire la centralità del sentire in un’epoca dominata dal rumore. Il cuore, nel suo aspetto anatomico e nella sua resa cromatica, si fa icona sacra e universale, oltre le culture e le religioni. Dorme, ma è pronto a risvegliarsi. Respira con il ritmo lento della terra e della storia.

L’opera si inserisce pienamente nel progetto Lo spazio del sacro. Ecologia integrale, evocando il bisogno di un nuovo equilibrio tra spiritualità e materia, tra memoria e visione, tra rispetto per la vita e riconnessione con il sacro che permea ogni forma, anche la più fragile. In questo spazio di sospensione, ciò che è invisibile diventa palpabile. Il filo si fa relazione. Il cuore, custode di senso.

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MARCO ANGELINI

Vita e Forma

 

Vita e forma: se non conosci qualcosa, prova a scoprirlo

Marco Angelini è un artista di eccezionale sensibilità, la cui ricerca creativa si concentra sul rapporto tra l’uomo e l’ambiente naturale. La mostra intitolata Vita e Forma invita a un’analisi approfondita di come le forme astratte possano riflettere la nostra comprensione e la nostra esperienza della vita, sia nella sua natura dinamica che in quella statica.

Ispirandosi all’astrazione biomorfica, Angelini cerca nell’arte risposte alle domande sul rapporto tra la civiltà umana e la natura. Le ventinove opere esposte formano un insieme ben articolato di nove serie e rappresentano diverse fasi della sua produzione artistica. Esse costituiscono una riflessione coerente sui cicli della natura, in cui vita e forma si intrecciano in un costante movimento di rinascita e transitorietà. Angelini pone l’accento su temi come lo sviluppo sostenibile, la tutela delle specie e la possibilità di invertire i processi naturali, evidenziando al contempo il ritmo nascosto della natura, dove armonia e caos convivono.

La dualità della materia e il simbolo del cerchio

Il motivo centrale delle opere di Marco Angelini è l’astrazione biomorfica, la cui estetica unica introduce lo spettatore in un mondo ambiguo e simbolico. Facendo riferimento ad antichi concetti sulla natura ciclica della vita, l’artista esplora la forma del cerchio, simbolo di pienezza, infinito e armonia. Come osserva il filosofo Vittorio Marchi, il cerchio è associato all’eternità, all’immutabilità e all’assenza di inizio e fine. Nelle opere di Angelini, il cerchio diventa portatore di significati metafisici, richiamando l’idea di continuità e del ciclo ininterrotto della vita.

Nel contesto della mostra, il cerchio appare non solo come simbolo della vita, ma anche come espressione della complessità dell’interazione tra uomo e natura. Per Angelini, il rapporto reciproco tra sfera urbana e naturale è inscindibile. Nello spazio urbano, le persone cercano costantemente di ricreare ambienti naturali, e il lavoro dell’artista è una risposta a questo desiderio di comprensione e ricreazione delle forme naturali. In Dicotomia in giallo (2017), Angelini utilizza il fenomeno del miraggio, per cui l’opera si trasforma a seconda della percezione dello spettatore. Allo stesso modo, nella serie Buste da lettera, i sei dipinti intitolati Singapore Dreams, che includono il simbolo del cerchio, evocano la comunità urbana e dimostrano, attraverso colori e motivi biomorfici, la possibilità di interpretazioni artistiche differenti per uno stesso oggetto.

Se non conosci qualcosa, prova a scoprirlo – Podlasie come ispirazione, dove l’arte crea un ponte tra l’uomo e il mondo naturale

La regione della Podlasie, con la sua natura incontaminata e la sua ricca cultura, rappresenta per Angelini una fonte d’ispirazione unica. I paesaggi maestosi, l’aria pura, i parchi nazionali e le riserve naturali di questa zona hanno ispirato molte delle sue opere. Attraverso composizioni astratte e riferimenti all’acqua, dipinti come La terra dei laghi della Masuria, Gli Stati dell’acqua ed Ebollizione (2015) esprimono la fluidità e l’energia di questo elemento, che per Angelini ha sia un significato allegorico che spirituale.

In opere come Il mistero delle piramidi (2023), caratterizzate da una flotta di oggetti geometrici fluttuanti, o nella serie Arte e Natura, dove rami di piante spinose sono integrati con pigmenti e oro, Angelini esplora l’intersezione tra natura e simbolismo astratto. Queste creazioni portano lo spettatore in un mondo di armonia, rispecchiando il ritmo ciclico della natura.

Nella serie Labirinto, Angelini crea un sistema complesso che genera disorientamento, un gioco visivo che sviluppa tensione narrativa e crea mistero. Opere come Labirinto o verso il metaverso, Sguardi severi e Vie d’uscita (2022) traggono ispirazione dalla struttura degli alberi, dalla geometria dei campi o dai colori vibranti delle specie di uccelli selvatici. L’artista riflette la coesistenza di dinamismo e immobilità nella natura, ricordando che ogni elemento naturale è soggetto a cicli inarrestabili, in cui non c’è ribellione ma continua rinascita.

Il colore come simbolo di vita

L’uso consapevole del colore in tutte le serie presentate in mostra gioca un ruolo centrale nel lavoro di Marco Angelini, diventando un mezzo privilegiato per esprimere emozioni profonde e pulsazioni di vita. Il blu, ricorrente nelle sue opere, invita a riflettere sulla vita, sulla sua mutevolezza e sulla continua rinascita. Seguendo le orme della fenomenologia, filosofia del XX secolo, Angelini esplora nei suoi dipinti del 2024 – Orsi polari, Un gabbiano in fuga, Can che abbaia non morde e Quanto è profondo il mare – il colore come punto di partenza per ciò che appare agli occhi dell’osservatore. Per l’artista, il colore è veicolo di emozioni che il pubblico può interpretare liberamente, conferendo alle opere un’ambiguità fertile e una straordinaria apertura a interpretazioni individuali.

Frammenti di vite vissute

Attraverso la tecnica mista e l’assemblaggio di oggetti prodotti dall’azienda Longo, Angelini trasforma elementi comuni, apparentemente privi di valore artistico intrinseco, in potenti simboli di memoria. Opere come Logo Longo e Immersione culturale rappresentano una profonda riflessione sul potenziale narrativo degli oggetti. Questi, impregnati di vissuti personali, emozioni e storie di coloro che li hanno usati, vengono trasfigurati in arte. Angelini cristallizza il tempo: assemblando tali oggetti sulle sue tele, dona loro un’aura di eternità. Non si tratta più di meri frammenti materiali, ma di simboli universali, custodi di esperienze e pensieri che, attraverso il filtro dell’arte, assumono significati nuovi e universali. Le sue opere non sono solo pezzi d’arte, ma contenitori di storie umane che si proiettano nel futuro.

L’arte di Angelini come invito alla riflessione

La mostra Vita e Forma non è solo un’esperienza estetica, ma un invito a una riflessione profonda sul nostro ruolo nel mondo, sia nel contesto naturale che in quello sociale. Se non conosci qualcosa, prova a scoprirlo diventa un’esortazione a esplorare l’universo intellettuale dell’artista, che attraverso l’arte supera i limiti della comprensione razionale della realtà. La sua visione futuristica e fiabesca, intrisa di elementi surreali, trasporta il pubblico in un’immaginaria percezione supersensoriale.

Nelle opere ultramoderne del 2024, come Homo sapiens, Ford o Invasione aliena – caratterizzate da sigilli automobilistici intenzionalmente applicati sulla tela, colori espressivi e forme antropomorfe insolite – Angelini stimola le funzioni cognitive dello spettatore, incitandolo a interpretare continuamente il futuro. L’artista ci invita ad avanzare senza conoscere le risposte, esplorando l’ignoto tanto in senso fisico quanto spirituale. La sua arte diventa un ponte tra il visibile e l’invisibile, suggerendo l’esistenza di molteplici realtà pronte per essere scoperte. Un esempio emblematico è My floppy disk (2024), un’opera che cattura su pellicola fotografica in movimento le infinite storie dell’umanità.

La mostra di Marco Angelini si rivela una profonda meditazione su natura, arte e vita, dimostrando come ciò che è astratto possa essere straordinariamente vicino a ciò che è reale, radicato nella nostra esistenza.

 

Jan Kozaczuk

Curatore della mostra

 

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MARCO ANGELINI

Życie i Forma

 

Życie i Forma – jeśli czegoś nie wiesz, spróbuj to poznać

Marco Angelini to artysta o wyjątkowej wrażliwości, który twórcze poszukiwania koncentruje na relacji między człowiekiem a środowiskiem naturalnym. Wystawa pt. Życie i Forma jest zaproszeniem do wnikliwego badania, jak abstrakcyjne kształty mogą odzwierciedlać nasze zrozumienie i doświadczenie życia – zarówno w jego dynamicznym, jak i statycznym charakterze.

Angelini, zainspirowany biomorficzną abstrakcją, poszukuje w sztuce odpowiedzi na pytania dotyczące związków między ludzką cywilizacją a naturą. Dwadzieścia dziewięć dzieł prezentowanych na wystawie tworzą przemyślany układ dziewięciu serii, które pochodzą z różnych etapów jego twórczości. Są spójną refleksją nad cyklami natury, gdzie życie i forma splata się w nieustannym ruchu odrodzenia i przemijania. Angelini zwraca naszą uwagę na kwestie zrównoważonego rozwoju, ochrony gatunków oraz możliwości odwracania naturalnych procesów, podkreślając jednocześnie, że przyroda kryje w sobie rytm, w którym tkwi zarówno harmonia, jak i chaos.

Podwójność materii i znak okręgu

Centralnym motywem prac Marco Angeliniego jest biomorficzna abstrakcja i wyróżniająca ją estetyczność, która wprowadza odbiorcę w wieloznaczny świat symboli. Odwołując się do starożytnych koncepcji cykliczności życia, artysta eksploruje kształt okręgu – symbol pełni, nieskończoności i harmonii. Forma ta, jak tłumaczy filozof Vittorio Marchi, jest związana z wiecznością, niezmiennością i brakiem początku ani końca. W twórczości Angeliniego okrąg staje się nośnikiem metafizycznych znaczeń, które odnoszą się do ciągłości i nieprzerwanego cyklu życia.

W kontekście wystawy, okrąg pojawia się nie tylko jako symbol życia, ale także jako wyraz złożoności interakcji między człowiekiem a naturą. Wzajemne relacje tych dwóch sfer – miejskiej i naturalnej – są dla Angeliniego nierozdzielne. W przestrzeni miejskiej człowiek nieustannie stara się odtworzyć naturalne środowiska, a twórczość artysty stanowi odpowiedź na pragnienie zrozumienia i odtworzenia form przyrody. Tak jak na obrazie pt. Dychotomia w żółci z roku 2017, w którym artysta wykorzystuje zjawisko mirażu, w wyniku którego dzieło malarskie przybiera dowolne kształty w zależności od percepcji odbiorcy. Również seria Koperty czy cykl sześciu obrazów pt. Singapurskie marzenia z symbolem okręgu, nawiązują do miejskiej wspólnoty, która za pomocą kolorów i biomorficznych wzorów świadczy o możliwości plastycznej interpretacji tego samego obiektu na różne sposoby.

Jeśli czegoś nie wiesz, spróbuj to poznać – Podlasie jako inspiracja, gdzie sztuka tworzy most między człowiekiem a światem naturalnym

Podlasie, z jego dziewiczą przyrodą i bogatą kulturą, jest dla Angeliniego miejscem szczególnym. Z majestatycznymi krajobrazami, czystym powietrzem, parkami narodowymi i rezerwatami, od dawna stanowi źródło inspiracji dla artysty. Ciekawią go rytmy natury, które poprzez abstrakcyjne kompozycje, jak i odniesienia do żywiołu wody znajdują odzwierciedlenie w obrazach z 2015 roku Kraina jezior mazurskich, Stan wody i Wrzenie. Prace te ukazują siłę płynności i energii wody, które dla Angeliniego mają zarówno alegoryczne, jak i duchowe znaczenie. Artysta wyraża w nich bogactwo i złożoność świata naturalnego, a także jego piękno i ulotność. Dzieła Tajemnice piramid z roku 2023 z flotą unoszących się geometrycznych obiektów lub seria dwóch obrazów Sztuka i Natura, w której artysta wykorzystał martwe kolczaste gałęzie

roślin umocowane kleistą substancją z zawartością pigmentnu i złota, mogą być apoteozą życia, gdzie natura tchnie abstrakcyjną symboliką. Jego prace przenoszą nas w świat harmonii i powtarzalności rytmu przyrody.

W serii Labirynt złożony system lub układ powodujący dezorientację prawdopobnie jest początkiem jakiejś gry, w której wypracowane przez artystę indywidualne środki wyrazu wyzwalają narracyjne napięcie, kreują tajemniczość i iluzję nieskończoności, jak chociażby na obrazach Labirynt lub w stronę metaświat, Surowe spojrzenia i Wyjścia z 2022 roku. Odbiorca może dostrzec inspiracje zaczerpnięte z obserwacji natury – struktury drzew, geometryczny układ pól lub bogactwo barw koegzystujących wielu gatunków dzikich ptaków. Artysta w wyjątkowy sposób oddaje dynamikę i bezruch, które współistnieją w świecie, przypominając, że wszystko w przyrodzie podlega cyklicznym przemianom, w której nie ma miejsca na bunt, jest tylko odradzanie się w rytmie wyznaczonym przez jej siły.

Kolor jako symbol życia

Świadomie użyty kolor we wszystkich prezentowanych na wystawie seriach odgrywa kluczową rolę w twórczości Angeliniego, stanowiąc medium, które wyraża głębokie emocje i pulsację życia. Niebieski, który często pojawia się w jego pracach, staje się punktem wyjścia do refleksji nad życiem, jego zmiennością i ciągłym odradzaniem się. Podążając śladem fenomenologii, XX-wiecznej filozofii, zauważamy, że w serii najnowszych obrazów z 2024 roku pod tytułem Polarne niedźwiedzie, Mewa w biegu, Pies, który szczeka, nie gryzie lub Jak głębokie jest morze niebieski jest pretekstem do tego co się komu jawi. Dla artysty kolor jest nośnikiem emocji, który odbiorca może dowolnie interpretować, co nadaje jego pracom wieloznaczności i otwartości na indywidualne odczytania.

Fragmenty minionych żyć

Dzięki wykorzystaniu techniki mieszanej oraz montażu na płótnie obiektów wyprodukowanych przez firmę Longo, Angelini umiejętnie uwzniośla zwyczajne, pozornie pozbawione artystycznej wartości elementy, przekształcając je w nośniki pamięci.

Dwie prace Angeliniego, Logo Longo i Zanurzenie kulturowe, stanowią głęboką refleksję nad narracyjnym potencjałem przedmiotów. Te, używane przez osoby, które je wybrały, są nasycone osobistymi przeżyciami, emocjami i historiami, a następnie przekształcone w sztukę. Artysta dokonuje procesu krystalizacji czasu: montując te przedmioty na płótnach, nadaje im aurę wieczności. Nie są to już zwykłe obiekty, ale symbole, fragmenty przeżytych żyć, które stają się nośnikami przyszłych interpretacji.

Jego prace to nie tylko dzieła sztuki, ale także archiwum doświadczeń, myśli i historii, które, poprzez artystyczny filtr, stają się uniwersalne.

Sztuka Angeliniego jako zaproszenie do refleksji

Wystawa Życie i Forma to nie tylko estetyczne doświadczenie, ale również zaproszenie do głębszej refleksji nad naszym miejscem w świecie, zarówno w kontekście natury, jak i społeczeństwa. Jeśli czegoś nie wiesz, spróbuj to poznać to zachęta do zgłębienia intelektualnego świata artysty, który poprzez sztukę nie tylko wykracza poza granice racjonalnego pojmowania rzeczywistości, ale jego futurystyczne, bajkowe, surrealistyczne wizje wciągają jak medium w wyimaginowane nadzmysłowe postrzeganie. W ultranowoczesnych pracach z 2024 roku pt. Homo sapiens, Ford czy Inwazja obcych z intencjonalnie umocowanymi uszczelkami samochodowymi na płótnie wyrazistość kolorów i niezwykłe antropomorficzne formy mobilizują funkcje kognitywne do nieprzerwanego interpretowania przyszłości.

Angelini zachęca nas do tego, abyśmy, nie znając odpowiedzi, podążali naprzód – eksplorowali nieznane przestrzenie, zarówno w sensie fizycznym, jak i duchowym. Jego sztuka jest bowiem mostem między tym, co widzialne, a tym, co ukryte, sugerując istnienie wielu rzeczywistości, które czekają na odkrycie, podobnie jak na obrazie pt. My floppy disk z 2024 r., który jest zapisem na kliszy fotograficznej poruszających, bezkresnych ludzkich historii.

Wystawa Marco Angeliniego stanowi głęboką refleksję nad naturą, sztuką i życiem, pokazując, że to, co abstrakcyjne, może być najbliżej tego, co prawdziwe i głęboko zakorzenione w naszej egzystencji.

 

Jan Kozaczuk

Kurator wystawy

 

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I. Serie Dicotomia

La dicotomia è la divisione di un’entità in due parti (una diade) che non necessariamente si escludono in modo dualistico, ma che possono anche risultare complementari. Quando non si lascia spazio a una terza possibilità, si parla di terzo escluso. Tuttavia, esiste sempre la possibilità di un terzo includente.

Nella mia ricerca, ho esplorato il concetto di dicotomia in molteplici forme e contesti. Essa implica una divisione in parti contrastanti o opposte, come naturale e artificiale, ordine e caos, realtà e finzione. Tuttavia, nelle mie opere, la dicotomia non è mai rigida né definitiva: ho voluto sfidare la visione binaria, mostrando come le linee di confine tra opposti siano spesso fluide e ambigue.

Ad esempio, l’esplorazione della dicotomia tra natura e tecnologia evidenzia come questi due mondi, apparentemente inconciliabili, si intrecciano e coesistono. Anche l’idea di identità emerge attraverso dicotomie, illuminando le tensioni tra individuale e collettivo, interiore ed esteriore.

Questa prospettiva invita il pubblico a riflettere sulla complessità delle opposizioni e sulla possibilità di coesistenza e integrazione delle differenze. Le dicotomie non sono solo un mezzo per creare tensione visiva, ma diventano uno strumento per indagare la complessità della condizione umana e delle società moderne.

Il concetto di dicotomia nell’arte contemporanea è ricco e sfaccettato, poiché offre uno spazio per riflettere sulle tensioni, le armonie e le ambiguità che caratterizzano il mondo in cui viviamo.

 

II. Serie Opere con Guarnizioni per Automobili

Le guarnizioni automobilistiche, solitamente associate al mondo dell’industria e della meccanica, assumono un nuovo significato nei miei ultimi lavori. In essi, questi elementi vengono reinterpretati come materiali dotati di un forte valore simbolico ed estetico.

Questi componenti tecnici e funzionali si trasformano in strumenti di esplorazione artistica attraverso il loro utilizzo in assemblaggi. Ho scelto di integrare oggetti industriali per mettere in discussione le convenzioni su cosa possa essere considerato arte, creando opere che fondono la produzione di massa con la creatività artistica.

Le guarnizioni, con le loro forme circolari, lineari o complesse, evocano concetti come confine, separazione e connessione. In particolare, esse diventano metafore di interfacce tra mondi diversi: fisici, concettuali o sociali. La loro integrazione nelle opere riflette una tendenza a valorizzare materiali quotidiani e industriali, evidenziando come la loro funzione originaria possa essere sovvertita e ri-significata.

Questo approccio non solo sfida i confini tra arte e non-arte, ma invita anche lo spettatore a considerare il potenziale estetico e narrativo di oggetti apparentemente banali.

Le guarnizioni automobilistiche assemblate nelle mie opere rappresentano un esempio di trasformazione di elementi comuni in strumenti espressivi potenti. Questi materiali acquisiscono nuovi significati e si pongono in dialogo con temi più ampi e universali, creando un ponte tra il quotidiano e il trascendente.

 

III. Serie: Temi della Fenomenologia nell’Arte Contemporanea

Questa serie offre un panorama ricco e diversificato per comprendere l’arte non solo come oggetto, ma come esperienza vissuta. La percezione, il corpo, lo spazio e il tempo giocano un ruolo cruciale nella costruzione del significato e nell’interazione tra l’opera e l’osservatore. Attraverso queste dimensioni, la fenomenologia dell’arte contemporanea consente di esplorare il dialogo tra l’artista e il pubblico, trasformando ogni opera in un’esperienza sensoriale e intellettuale unica.

 

IV. Serie: Piramidi

Il tema delle piramidi, con il loro fascino misterioso, è stato reinterpretato nell’arte contemporanea come simbolo ricco di significati storici, culturali ed estetici. Questi monumenti, soprattutto quelli egizi, evocano mistero, trascendenza e connessione con l’aldilà, temi che trovano nuova vita in contesti artistici moderni e provocatori.

Nelle mie opere, la forma piramidale diventa un potente strumento concettuale per affrontare questioni come il tempo, la memoria e l’immortalità. Le piramidi, costruite per durare millenni, riflettono sulla relazione tra l’uomo e il tempo, sulla fragilità della memoria collettiva e sulla tensione tra mortalità e aspirazione all’eternità.

In questo contesto, la piramide non è solo un simbolo del passato, ma una metafora che si collega a questioni contemporanee, come l’incertezza esistenziale e la ricerca di significato. Ad esempio, opere che esplorano le piramidi sottolineano il contrasto tra la solidità di queste forme e le complessità del mondo moderno, offrendo un ponte tra il passato remoto e i temi universali del presente.

 

V. Serie: Labirinto

Il labirinto, con la sua struttura intricata e affascinante, è un archetipo che da millenni cattura l’immaginazione umana. Nell’arte contemporanea, esso viene reinterpretato per esplorare temi legati all’identità, alla memoria, alla percezione e alla condizione umana.

Nelle mie opere, il labirinto rappresenta spesso un viaggio interiore, simbolo della ricerca di sé e della complessità dell’esperienza umana. È un percorso tortuoso che riflette il disorientamento esistenziale e la lotta per trovare un significato in un mondo caotico. In questo spazio fisico e psicologico, lo spettatore è invitato a perdersi per ritrovarsi, esplorando i limiti della propria percezione e consapevolezza.

Il labirinto è anche una metafora della memoria: la sua struttura richiama il modo in cui i ricordi vengono archiviati, spesso in modo non lineare ma caotico, proprio come accade nella mente umana.

Nell’era digitale, il labirinto diventa un simbolo della navigazione nel cyberspazio, rappresentando la complessità delle reti di informazioni e le dinamiche dell’interazione virtuale. Attraverso questa metafora, rifletto sul disorientamento e sull’alienazione tipiche dell’epoca dell’informazione, ponendo domande sulle sfide e le opportunità dell’era digitale.

Il labirinto diventa quindi, per me, uno spazio di esperienza, riflessione e trasformazione, che risuona profondamente con le incertezze e le sfide del mondo contemporaneo.

 

VI. Serie: Buste da Lettera - Storie di Singapore

Questo ciclo di opere, realizzato nel 2017, è nato dall’utilizzo di buste da lettera raccolte durante un’arte fiera a Singapore. In Oriente, e in particolare in Giappone, si attribuisce un’attenzione quasi morbosa alla carta, un comportamento che, pur sembrando esagerato, consente di scoprire materiali di straordinaria bellezza.

Le buste da lettera, inizialmente non subito riconoscibili, sono state cristallizzate nei quadri con colla vinilica e filo da cucire, creando un dialogo evocativo con storie di luoghi lontani. Ogni busta contiene un sigillo, un marchio circolare che richiama l’armonia e ricorda l’uso della ceralacca nel passato. Questa forma simbolica diventa un ponte tra tradizione e modernità, evocando al contempo memoria e trasformazione.

 

VII. Serie: Arte e Natura

La mia ricerca su arte e natura mi ha portato a raccogliere elementi naturali come rami portati dal mare in inverno, foglie verdi cadute per il vento, e materiali organici destinati alla decomposizione. Questi frammenti vengono successivamente integrati sulla tela per rappresentare la mutevolezza della natura e il tentativo di replicarne l’origine, il dinamismo e la staticità.

In alcuni casi, l’assemblaggio di elementi naturali e urbani dà vita a paesaggi ambivalenti, dove il confine tra ciò che è naturale e ciò che è artificiale si dissolve. Tronchi d’albero, assimilabili a parti del corpo umano in trasformazione, e materie organiche soggette a continui mutamenti diventano metafore visive della fragilità e dell’interconnessione tra tutte le forme di vita.

La relazione critica tra essere umano e ambiente naturale è un tema centrale nell’arte contemporanea, e attraverso le mie opere ho cercato di sviluppare un dialogo che esplori la bellezza, la fragilità e la sostenibilità del nostro ecosistema. Non mi limito a rappresentare la natura: la utilizzo come materia prima, mostrando come possa essere tanto soggetto quanto collaboratore nell’opera d’arte.

Con un approccio concettuale e critico, affronto temi come il cambiamento climatico, la perdita di biodiversità e l’inquinamento, dimostrando come l’arte possa fungere da catalizzatore per una maggiore consapevolezza ambientale e per stimolare il dibattito pubblico. In questo modo, le mie opere non solo celebrano la bellezza del mondo naturale, ma invitano a ripensare il nostro ruolo come esseri umani in un ecosistema complesso e interdipendente.

 

Opera: Pop Doberman

Il Pop Doberman unisce l’estetica della Pop Art con l’iconografia del doberman, una razza canina simbolo di forza ed eleganza. Questa fusione rappresenta un’ironica riflessione sulla cultura contemporanea, che spesso esalta immagini di potere e controllo trasformandole in simboli di status.

L’inserimento del doberman in un contesto pop, con i suoi colori vivaci e la stilizzazione tipica del movimento artistico, serve a criticare la fascinazione per il dominio e la sicurezza che caratterizza la società moderna. L’animale diventa un simbolo delle ansie e paure collettive, incarnando il bisogno di controllo e protezione in un’epoca di incertezze.

Attraverso l’estetica della Pop Art, il doberman viene reinterpretato per esplorare temi complessi come potere, paura e cultura popolare. L’opera utilizza l’immagine riconoscibile di questo cane per creare un contrasto tra la brillantezza dell’estetica pop e le dinamiche sociali sottese, trasformandolo in un simbolo che parla delle tensioni del nostro tempo.

 

VIII. Serie: Water Painting

L’acqua, come elemento simbolico e materiale, occupa un ruolo centrale nella mia arte. È una forza che esplora la vita, la spiritualità, il cambiamento climatico, la memoria e il fluire del tempo. Questo elemento, per sua natura versatile e trasformabile, crea forme e significati che coinvolgono l’osservatore in modo profondo e multiforme.

In alcune delle mie opere, l’acqua diventa simbolo di vita, fertilità e rinascita. Allo stesso tempo, risponde alle preoccupazioni globali legate al cambiamento climatico e alle crisi ambientali. Attraverso queste opere, intendo sensibilizzare il pubblico sulla fragilità del nostro ecosistema e sull’urgenza di proteggere le risorse idriche del pianeta.

L’acqua è anche un potente veicolo di memoria e storia. In molte culture, è associata al passato, al tempo che scorre e alla memoria collettiva. Questi lavori evocano nostalgia, ricordi e il continuo fluire del tempo.

Lontano dall’essere un semplice elemento naturale, l’acqua si rivela un simbolo poliedrico e ricco di significati, che mi permette di esplorare una vasta gamma di temi, dall’ecologia alla spiritualità. Con queste opere, invito gli spettatori a riflettere sulla condizione umana, sulla natura e sul nostro rapporto con il mondo che ci circonda.

 

IX. Serie: Longo

Le due opere Immersione culturale e Logo Longo, realizzate nel 2022, sono state esposte a Bologna durante una mia mostra personale intitolata Dall’Industria alle opere di Marco Angelini, allestita presso il Museo del Patrimonio Industriale.

In questa serie, l’interazione tra arte e quotidianità diventa il fulcro della mia ricerca creativa. Le opere, ispirate alla storia dell’azienda Longo, rappresentano non solo un omaggio a Giorgio Longo, figura di spicco durante il boom economico italiano, ma anche un’indagine sulla capacità degli oggetti trasformati di esistere oltre il loro uso originario.

Attraverso il processo artistico, questi oggetti vengono trasfigurati, svincolandosi da un significato unico e diventando aperti a infinite interpretazioni. Le opere si collocano così in un dialogo atemporale, rivelandosi strumenti di riflessione e reinterpretazione attraverso le epoche.

 

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I. Seria Dychotomia

Dychotomia to podział jednej całości na dwie części (stanowiące diadę), które niekoniecznie wzajemnie się wykluczają, lecz mogą być komplementarne. Dychotomia może nie zostawiać miejsca na trzecią opcję, wtedy mówimy o jej wykluczeniu. Jednak w dychotomii istnieje również możliwość uwzględnienia trzeciego elementu.

Starałem się badać pojęcie dychotomii w różnych formach i kontekstach. Dychotomia oznacza podział na dwie przeciwstawne lub sprzeczne części, takie jak naturalne i sztuczne, porządek i chaos, rzeczywistość i fikcja.

Dychotomie nie są jedynie środkiem do tworzenia napięcia wizualnego, ale także stanowią narzędzie do zgłębiania złożoności ludzkiej kondycji oraz współczesnych społeczeństw, co wyraziłem w moim malarstwie.

Na przykład eksploracja dychotomii między naturą a technologią pozwoliła mi ukazać, jak te dwa światy, pozornie przeciwstawne, splatają się i współistnieją. Także pojęcie tożsamości zostało zbadane poprzez dychotomie, w których starałem się ukazać napięcie między jednostką a zbiorowością, wnętrzem a zewnętrzem.

Dychotomia w moich pracach nie jest przedstawiana jako sztywna czy ostateczna opozycja. Starałem się raczej kwestionować binarne spojrzenie na dychotomie, pokazując, jak granice między przeciwieństwami są często płynne i niejednoznaczne. To podejście zachęca widza do refleksji nad złożonością opozycji oraz możliwością współistnienia i integracji różnic.

Koncepcja dychotomii we współczesnej sztuce to bogaty i wielowymiarowy temat, który pozwala zgłębiać złożoną i często sprzeczną naturę rzeczywistości.

Dychotomie oferują nam przestrzeń do refleksji nad napięciami, harmonią i niejednoznacznościami, które charakteryzują świat, w którym żyjemy.

 

II. Seria dzieła z uszczelkami samochodowymi

Uszczelki samochodowe są zazwyczaj kojarzone z przemysłem i mechaniką. Znalazły one swoje miejsce w moich najnowszych pracach, gdzie zostały przekształcone w materiały pełne symbolicznego i wizualnego

znaczenia. W tym kontekście uszczelki, ze swoją techniczną i funkcjonalną naturą, stają się elementami eksploracji estetycznej i są wykorzystywane w różnych zestawieniach.

Postanowiłem użyć tych przemysłowych obiektów, aby zakwestionować konwencje dotyczące tego, co może być uznane za sztukę, tworząc dzieła łączące świat masowej produkcji z kreatywnością artystyczną. Uszczelki, ze swoimi okrągłymi, liniowymi lub złożonymi kształtami, mogą przywoływać na myśl idee granicy, separacji i połączenia.

W szczególności te elementy mogą być postrzegane jako metafory interfejsów między różnymi światami: fizycznymi, konceptualnymi czy społecznymi. Ich integracja w dziełach sztuki odzwierciedla tendencję do docenienia codziennych i przemysłowych materiałów, zwracając uwagę na to, jak ich pierwotna funkcja może zostać odwrócona, nadając nowego znaczenia. To podejście nie tylko kwestionuje granicę między tym, co sztuką jest, a co nie jest, ale również zachęca widza do rozważenia estetycznej i narracyjnej wartości pozornie banalnych obiektów.

Uszczelki samochodowe w moich pracach stanowią przykład przekształcenia, za pomocą wypracowanych środków wyrazu, zwykłych przedmiotów w potężne obiekty naładowane nowymi znaczeniami i zdolne do dialogu z szerszymi, uniwersalnymi tematami.

 

III. Seria związana z niektórymi tematami poruszanymi przez fenomenologię sztuki współczesnej

Seria oferuje bogaty i zróżnicowany obraz pozwalający zrozumieć sztukę nie tylko jako obiekt, ale także jako przeżywane doświadczenie, w którym percepcja, ciało, przestrzeń i czas odgrywają kluczową rolę w budowaniu znaczenia i interakcji między dziełem a obserwatorem.

 

IV. Seria Piramidy

Temat piramid i ich tajemnicy był wielokrotnie podejmowany i reinterpretowany w różnorodnych formach we współczesnej sztuce, gdzie piramidy są wykorzystywane zarówno jako symbole nasycone znaczeniem historycznym i kulturowym, jak i elementy estetyczne, które przywołują tajemniczość, potęgę i duchowość.

Piramidy, zwłaszcza te egipskie, od zawsze kojarzone są z ideami tajemnicy, transcendencji i łączności z zaświatami. We współczesnej sztuce ten symbolizm jest często eksplorowany w nowy i prowokacyjny sposób. Piramidy mogą reprezentować tajemnicę istnienia, poszukiwanie sensu lub próbę zrozumienia tego, co niepoznawalne.

Wykorzystałem formę piramidy, aby przywołać te tematy, często w kontekście odzwierciedlającym niepewności i złożoności współczesnego świata.

Piramidy w moich pracach są narzędziami konceptualnymi do badania takich tematów jak czas, pamięć i nieśmiertelność. Na przykład piramidy, które zostały zbudowane, aby przetrwać tysiąclecia, mogą być wykorzystywane do refleksji nad relacją między człowiekiem a czasem, nad kruchością pamięci zbiorowej oraz nad napięciem między ludzką śmiertelnością a dążeniem do nieśmiertelności.

Piramidy są więc przekształcane i reinterpretowane, stając się nie tylko symbolami przeszłości, ale także istotnymi metaforami współczesnych problemów.

 

V. Seria Labirynt

Temat labiryntu we współczesnej sztuce jest bogaty w znaczenia symboliczne i konceptualne.

Labirynt ze swoją skomplikowaną i zawiłą strukturą jest archetypem, który fascynował ludzkość przez tysiąclecia, a we współczesnej sztuce jest reinterpretowany w celu badania kwestii tożsamości, pamięci, percepcji oraz kondycji ludzkiej.

W moich pracach labirynt jest często używany jako metafora podróży wewnętrznej, poszukiwania samego siebie i złożoności ludzkiego doświadczenia. Jest wykorzystywany do przedstawienia krętej ścieżki osobistego odkrycia, egzystencjalnego zagubienia i walki o znalezienie sensu w chaotycznym świecie. Labirynt staje się przestrzenią fizyczną i psychologiczną, w której odwiedzający jest zaproszony do zgubienia się i ponownego odnalezienia siebie.

Labirynt jest także związany z pamięcią, a jego struktura może przywoływać ludzkie umysły oraz sposób, w jaki wspomnienia są gromadzone, często w sposób chaotyczny i nielinearny.

W erze cyfrowej labirynt reprezentuje doświadczenie nawigacji w cyberprzestrzeni, sieci informacji oraz złożoność interakcji cyfrowych, ukazując dezorientację i alienację w epoce informacji.

Labirynt według mnie staje się zatem miejscem doświadczenia, refleksji i transformacji, które głęboko rezonuje z wyzwaniami i niepewnościami współczesnego świata.

 

VI. Seria Koperty – Historie z Singapuru

Do stworzenia tego cyklu prac z 2017 roku użyłem koperty, które zebrałem podczas targów sztuki w Singapurze. Japonia, a szczególnie cały Daleki Wschód, ma obsesyjny wręcz stosunek do papieru. To niemal przesadne zachowanie, które jednak pozwala znaleźć na Wschodzie przepiękne papiery.

Koperty, które nie są od razu rozpoznawalne, utrwaliłem w obrazach razem z klejem winylowym i nitką do szycia, z zamiarem przywołania historii z innych miejsc.

W każdej kopercie znajduje się oznaczenie, znak utworzony za pomocą okręgu, który symbolizuje harmonię i przywodzi na myśl dawną woskową pieczęć.

 

VII. Seria Sztuka i Natura

Moje badania nad sztuką i naturą skłaniają mnie do zbierania gałęzi drzew przyniesionych przez morze zimą, zielonych liści opadłych przez wiatr, suchych gałęzi i innych odpadków, które następnie umieszczam na płótnie z zamiarem ukazania zmienności natury oraz dokonuję próby odtworzenia jej pochodzenia, dynamizmu i jednocześnie statyczności. W niektórych przypadkach połączenie elementów pobranych z natury i kontekstu miejskiego przyczynia się do kreowania ambiwalentnych krajobrazów, naturalnych i sztucznych. Pnie drzew, które można porównać do zmieniających się części ludzkiego ciała, oraz materiały organiczne podlegające wiecznym przemianom.

Badanie sztuki i natury jest tematem o dużym znaczeniu i złożoności, które odzwierciedla rosnącą świadomość krytycznej relacji między człowiekiem a środowiskiem naturalnym. Starałem się rozwijać ten dialog poprzez różne podejścia, od estetycznej eksploracji krajobrazu i form naturalnych, przez krytykę destrukcyjnych praktyk środowiskowych, po szerszą refleksję na temat zrównoważonego rozwoju i wzajemnych powiązań między wszystkimi formami życia. Poprzez moje prace nie ograniczam się do przedstawiania natury, lecz wykorzystuję ją jako surowiec, pokazując, jak natura może być zarówno tematem, jak i użyteczna w dziele sztuki.

Podjąłem również temat z bardziej koncepcyjnym i krytycznym podejściem, zastanawiając się nad konsekwencjami działania człowieka na środowisko. Moje prace dotyczące zmian klimatycznych, utraty bioróżnorodności czy zanieczyszczenia są przykładami tego, jak sztuka może działać jako katalizator dla świadomości ekologicznej i publicznej debaty.

Badanie korelacji między naturą a sztuką to dynamiczna dziedzina głęboko związana z najpilniejszymi kwestiami naszych czasów. Eksplorując tę relację, starałem się nie tylko ujawnić piękno i kruchość świata naturalnego, ale także przemyśleć naszą rolę jako istot ludzkich w złożonym i wzajemnie zależnym ekosystemie.

Dzieło Pop Doberman

Pop Doberman rozumiem jako obraz lub pomysł łączący estetykę pop-artu z ikonografią dobermana, rasy psów kojarzonej z siłą i elegancją. Umieszczenie dobermana w kontekście pop-artu – wraz z typową dla niego jasną, kolorową i stylizowaną estetyką – jest sposobem na skomentowanie fascynacji współczesnej kultury obrazem władzy i bezpieczeństwa.

Ten gest może służyć krytyce współczesnej kultury, która często wynosi na piedestał obrazy siły i dominacji, przekształcając je w symbole statusu. Doberman w ironiczny sposób może reprezentować lęki i obawy współczesnego społeczeństwa, które szuka bezpieczeństwa poprzez kontrolę i potęgę. Połączenie z elementami pop-artu wzmocnia tę krytykę, pokazując, jak kultura popularna wywyższa pewne symbole.

Dzieło jest przykładem tego, jak silny i rozpoznawalny obraz może być zmodyfikowany w celu eksploracji złożonych tematów, takich jak władza, strach i kultura popularna. Poprzez estetykę i techniki pop-artu, doberman może zostać zmieniony w symbol, który odnosi się do dynamiki społecznych i kulturowych naszych czasów.

 

VIII. Seria Obrazy Wodne

Woda jako element symboliczny i materiałowy odgrywa znaczącą rolę w mojej sztuce. Eksploruje życie, duchowość, zmiany klimatyczne, pamięć i przepływ czasu. Woda jest wszechstronnym medium, które może być przekształcane i interpretowane w wielu różnych formach, tworząc kształty, które głęboko angażują odbiorcę.

W niektórych moich pracach woda jest używana jako symbol życia, płodności i odrodzenia.

W odpowiedzi na globalne obawy dotyczące zmian klimatycznych i kryzysów środowiskowych, oczywiście poruszam kwestie ekologiczne, mając na celu uświadomienie społeczeństwa o kruchości ekosystemu i pilności ochrony zasobów wodnych naszej planety.

Woda jest również silnym symbolem pamięci i historii. W wielu kulturach woda jest kojarzona z przeszłością, płynącym czasem i pamięcią zbiorową. Prace te przywołują nostalgię, wspomnienia i upływ czasu.

Woda to znacznie więcej niż tylko element naturalny; jest potężnym i wszechstronnym symbolem, który pozwala mi badać szeroki zakres tematów, od ekologii po duchowość, zachęcając odbiorców do refleksji nad kondycją ludzką, naturą i naszym stosunkiem do otaczającego nas świata.

 

IX. Seria Longo

Dwa dzieła Zanurzenie kulturowe i Logo Longo, które stworzyłem w 2022 roku, były prezentowane w Bolonii podczas mojej wystawy indywidualnej pod tytułem Dall’Industria alle opere di Marco Angelini, zorganizowanej w Muzeum Dziedzictwa Przemysłowego.

W tej serii prac interakcja między sztuką a codziennością staje się centralnym punktem mojej twórczości. Dzieła inspirowane historią firmy Longo nie są tylko hołdem dla Giorgio Longo, szefa jednej z przemysłowych potęg włoskiego boomu gospodarczego, lecz wyrażają zdolność przekształconych przedmiotów do istnienia poza ich pierwotnym użyciem. Przemienione dzieła nie są już związane z jednym, określonym znaczeniem, lecz otwarte na nieskończone interpretacje przez epoki.

 

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La luce che fa l'opera

 

Marco Angelini, artista contemporaneo italiano, esplora il rapporto tra luce e materia nella sua produzione astratta, ispirandosi a rilevanti percorsi storico-scientifici che riguardano la percezione umana di questo fenomeno. Nelle sue opere, la luce non è soltanto un mezzo espressivo; essa diventa una forza creativa dinamica, capace di plasmare e trasformare la realtà rappresentata, coinvolgendo lo spettatore in un’esperienza visiva profonda e riflessiva. In questo contesto, la luce agisce spiritualmente, invitando alla contemplazione dell’essenza dell’esistenza, dei limiti della percezione e della natura del tempo.

Angelini si ispira a concetti storici di luce sviluppati da filosofi dell’antica Grecia, come Aristotele e Platone, che cercarono di svelare i misteri della luce e della visione, e da pensatori medievali come Roberto Grosseteste (ca. 1168-1253), per il quale la luce non era solo un fenomeno fisico ma anche metafisico, una forza creativa dell’universo. La luce, nelle sue opere, assume un ruolo centrale, penetrando la materia e conferendole una nuova qualità, in linea con le teorie di Grosseteste, per il quale essa era capace di modellare l’universo.

Angelini affronta quindi il tema della luce come forza che attraversa e modella la struttura dell’opera. Nelle sue creazioni, la luce è dinamica: si espande, si moltiplica e dà forma, seguendo il principio "hoc opus facit" – "questa luce crea l’opera". Riferendosi al fascino storico dell’uomo per le proprietà “magiche” della luce, e alla moderna comprensione della sua duplice natura, sia ondulatoria che corpuscolare, l’artista mostra come la luce dia profondità, dinamismo e forma allo spazio pittorico.

La luce non si limita a illuminare la superficie del dipinto, ma penetra e distende la materia, come suggerito da Grosseteste. Angelini attinge anche a teorie straordinarie del primo Novecento, come la teoria quantistica di Planck e la relatività di Einstein, che hanno rivoluzionato la nostra percezione della luce, del tempo e dello spazio. Le sue opere diventano una mappa della diffusione della luce, dove materia ed energia si intrecciano come fili sulla tela, creando un disegno tridimensionale all’interno di un mezzo bidimensionale.

Utilizzando tecniche e materiali diversi – vernici acriliche, colla, fili, foglie d'oro e d'argento, lastre di rame e celle fotovoltaiche – Angelini manipola la luce, creando effetti visivi che variano a seconda dell’angolo di osservazione, dell’intensità della luce e della percezione dell’osservatore. I suoi dipinti acquisiscono così una molteplicità di strati, invitando lo spettatore a riflettere su come la luce influenzi la percezione della realtà.

La luce, nella sua dimensione simbolica e concreta, diventa protagonista di una riflessione estetica che trascende i confini fisici del mezzo, trasformandosi in metafora di vita, speranza e progresso. Le opere di Angelini riflettono la rapida transizione tecnologica della nostra epoca e affrontano il tema della transizione energetica, suggerendo una narrazione visiva e concettuale complessa e stratificata. Attraverso i suoi lavori, l’artista rappresenta la vitalità e la resilienza della vita, creando un’urgenza nell’illuminare il futuro, non solo in termini di progresso tecnologico, ma anche di evoluzione sociale e culturale verso una comunità più inclusiva.

Nelle sue opere, la luce non è semplicemente un elemento fisico, ma simbolo di una conoscenza in espansione, una consapevolezza ecologica e sociale che abbraccia un concetto più ampio di economia circolare. L’uso della luce come simbolo del futuro evidenzia la tensione tra modernità e sostenibilità, portando un messaggio di ottimismo e armonia tra l’uomo e l’ambiente.

Così come la luce arricchisce lo spazio di significati, l’opera diventa il veicolo di un’idea proiettata verso un miglioramento continuo. Attraverso l’impegno quotidiano dell’artista, possiamo intravedere un futuro in cui la luce, fonte di energia e simbolo di conoscenza, guiderà la nostra civiltà verso un equilibrio e una responsabilità sempre maggiori. La luce nelle opere di Marco Angelini diventa così strumento artistico e simbolico, metafora di un’illuminazione spirituale e forza che dà senso e forma all’esistenza. Le sue opere sono meditazioni sulla luce, sul tempo e sullo spazio, superando i confini della pittura tradizionale e ampliando gli orizzonti dell’arte astratta contemporanea. Esse non rappresentano solo una celebrazione della luce come elemento visivo, ma una riflessione profonda sulla sua importanza come simbolo di un futuro illuminato, capace di abbracciare non solo l’individuo, ma l’intera comunità planetaria.

 

Jan Kozaczuk

Curatore della mostra

 

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The light that creates the work

 

Marco Angelini, a contemporary Italian artist, delves into the relationship between light and matter through his abstract works. His creative process draws inspiration from a rich historical and scientific tradition, mainly focusing on how humans perceive light. In Angelini’s work, light transcends its role as a mere tool of expression; it becomes an active, dynamic force that engages viewers in a deep, reflective visual experience, shaping and transforming the reality it represents. Here, light functions spiritually, inviting contemplation on the essence of existence, the boundaries of perception, and the nature of time.

Angelini is inspired by ancient Greek philosophers like Aristotle and Plato and medieval thinkers such as Robert Grosseteste (c. 1168–1253), who sought to unravel the mysteries of light and vision. For these thinkers, light was both a physical and a metaphysical phenomenon—a creative force that shaped the universe. In Angelini’s works, light assumes a central role, penetrating matter and transforming it in ways that resonate with Grosseteste’s belief that light could model the fabric of the cosmos.

In his artistic exploration, Angelini treats light as a force that not only passes through his work but also actively shapes its structure. His use of light is dynamic: it expands, multiplies, and gives form, embodying the principle of “hoc opus facit”—“this light creates the work.” By drawing on humanity’s historical fascination with the “magical” qualities of light and modern understandings of its dual nature as both wave and particle, Angelini demonstrates how light creates depth, movement, and structure within the painted space.

Light does more than illuminate the surface of his paintings; it penetrates the material and stretches it, echoing Grosseteste’s views. Angelini also incorporates the groundbreaking scientific theories of the 20th century, such as Planck’s quantum theory and Einstein's theory of relativity, which forever changed our understanding of light, time, and space. His works become a kind of map tracing the propagation of light, where matter and energy intertwine like threads on a canvas, creating a three-dimensional drawing within a two-dimensional space.

Using a wide range of materials—acrylics, adhesives, threads, gold and silver leaf, copper plates, and even photovoltaic cells—Angelini manipulates light, creating visual effects that shift depending on the observer’s angle, the intensity of light, and the surrounding environment. This gives his works multiple layers of meaning and invites viewers to reflect on how light shapes our perception of reality.

Light, in its symbolic and physical dimensions, takes center stage as the driving force of an aesthetic that transcends the physical limits of the environment, becoming a metaphor for life, hope, and progress. Angelini’s works reflect the rapid technological transformations of our era, offering a complex and layered narrative that tackles the theme of energy transition. Through his art, he captures the vitality and resilience of life, urging us to illuminate the future—not just in terms of technological progress but also in fostering a more inclusive and socially evolved society.

In Angelini’s creations, light serves not only as a physical element but as a symbol of growing knowledge and ecological awareness, aligned with the principles of a circular economy. Using light as a metaphor for the future, his work delivers a message of optimism and harmony between humanity and the environment, highlighting the tension between modernity and sustainability.

As light enriches space with meaning, Angelini’s art becomes a vehicle for envisioning continuous improvement. Through his daily dedication, we glimpse a future where light—an energy source and a symbol of enlightenment—guides our civilization towards more excellent balance and responsibility. In this way, light in Marco Angelini’s work transforms into an artistic and symbolic tool, embodying the power that gives form and meaning to existence. His works invite us to meditate on light, time, and space, pushing beyond the boundaries of traditional painting and expanding the horizons of contemporary abstract art. Ultimately, they celebrate light as a visual element and a profound symbol of an enlightened future that embraces both the individual and the global community.

 

Jan Kozaczuk

Exhibition Curator

 

Translation into English: Romina Fucà

 

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"Sostenibilità e futuro circolare" è il progetto artistico di Marco Angelini che propone al pubblico, con profonda consapevolezza, il valore “driver” del suo messaggio su un possibile, necessario e improrogabile cambiamento in materia di ambiente.

L'arte di Angelini vira verso un segno di riconversione "climate oriented" che possa portare ad una rigenerazione intellettuale ed emotiva su un tema così centrale quale quello, appunto, dell’ambiente e della sua salvaguardia.

L' espressione artistica di Angelini rientra, quindi, appieno, in quel “Climate Change Art” il cui scopo è rendere il pensiero dell'essere umano performante e, nel contempo, predisposto ad una presa di coscienza e consapevolezza delle devastanti conseguenze dei sovvertimenti climatici.

Bill Mckibben, ambientalista e giornalista americano, scrisse in un articolo “What the warming World Needs Now is Art, Sweet Art” sostenendo che affrontare solo sul piano scientifico e quindi razionale la crisi ambientale fosse limitante e che diventasse, quindi, necessario usare anche l'emisfero sinistro del cervello ritenuto quello preposto alla creatività e all'immaginazione.

Per Mckibben, quindi, gli artisti sono fondamentali nell'affrontare la crisi ambientale.

Durante l'Art Cop21, nel 2015, fu fatto un sondaggio tra il pubblico in merito alle opere d' arte presentate e in quell'occasione furono indicate quattro categorizzazioni: 1) utopia confortante; 2) distopia impegnativa; 3) mitologia mediocre; 4) soluzione fantastica.

Ognuna di queste è espressione di una reazione psicologica ed emotiva di fronte all'opera e, di conseguenza, una diretta manifestazione della relazione uomo - ambiente.

Particolarmente interessanti, le due categorie opposte: " distopia impegnativa" e " soluzione fantastica”.

In Angelini quindi, recentemente di ritorno dalla mostra " la luce come metafora di transizione energetica" a cura di Jan Kozaczuk a Baku in occasione della Cop 29, si ritrova la categorizzazione: " soluzione fantastica".

Un atto di presunzione? ci sono aspetti oggettivi che esteticamente, iconograficamente e psicologicamente portano ad una tale presa d'atto.

L'astrattismo, nato nel XX secolo, si è sempre proposto con l'intento di creare composizioni di forme, linee e colori che avessero un alto grado di indipendenza dalle referenze visuali del mondo.

È proprio attraverso questo linguaggio che Marco Angelini porta le sue opere su un piano alto, offrendo al pubblico uno spazio aperto dove ricercare la propria "soluzione fantastica” sfruttando i colori e l'uso di materiali di scarto, come lampadine o circuiti elettrici fino all'uso del rame ed altri supporti alternativi che Angelini propone come strumento di lettura di una tematica così delicata come la sostenibilità e il futuro circolare. Una particolare attenzione merita l'uso dei colori che catturano l'attenzione dell'osservatore suscitando un senso di armonia ed equilibrio.

La sua è una sorta di cromoterapia sociale perché l’uso del colore si innesta come strumento e traino su di una tematica “mondiale” generale e collettiva quale quella ambientale.

Un uso del colore e della luce che riporta necessariamente al XX secolo quando, con l'affermarsi dell’astrattismo, nascono le prime sorgenti luminose adottate ad uso creativo. É proprio in quel periodo, infatti, che gli artisti non si limitano a rappresentare la luce su tela bensì la manipolano fisicamente.

Queste forme d'arte univano l'idea di astrattismo ad una sorta di libera gestualità Junghiana con conseguente uso della luce con modalità non circolare ma aperta.

Nelle opere di astrattismo geometrico e biomorfico di Angelini, tutto è delimitato entro confini dove linee e colori creano un flusso energetico circolare suggellato dall'applicazione sulla tela di lampadine, circuiti e strumenti di conduzione.

Un astrattismo, questo, che riporta per alcuni aspetti a Laszlo Moholy Nagy, artista del Bauhaus che con il suo modulatore - spazio - luce del 1930 frammenta il fascio luminoso prodotto da lampadine, inserite poi, in una scultura cinetica.

Ne scaturiscono così, proiezioni e dispersioni. Angelini guarda alla lampadina come strumento immortale, riutilizzabile, la cui immobilità materiale e l'eventuale sprigionarsi di energia è promosso dall' osservatore all’ interno di un eterno flusso energetico circolare.

Ne consegue, una lettura dell'essere umano che deve vivere in una imprescindibile armonia con l'ambiente, con una visione umanistica e speranzosa del mondo.

Appare di tutta evidenza che non pensando in termini di una immobilità votata a fossilizzare quanto ci circonda, dobbiamo sforzarci di individuare costantemente, in ogni situazione e momento, un punto armonico nel rapporto uomo - ambiente traducibile in una condizione di equilibrio dinamico.

Ogni nostra azione deve, cioè, essere capace di integrarsi armoniosamente adeguandosi ai fattori naturali.

 

Maria Laura Perilli

(curatrice della mostra)

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Sublimacja. Przemiana Pamięci, Bólu i Światła

Abyśmy traktowali umysł z taką samą troską jak ciało

Nie rzeczy niepokoją człowieka, lecz wyobrażenia o nich

EPIKTET

 

Solowa wystawa Marco Angeliniego pt. Sublimazione w Galerii Test Mazowieckiego Instytutu Kultury w Warszawie przenosi nas w obszary ludzkiego doświadczenia, gdzie pamięć, ból i światło stają się źródłem artystycznej ekspresji. Inspirując się słowami Epikteta, które sugerują, abyśmy traktowali umysł z taką samą troską jak ciało, warto zastanowić się nad rolą sublimacji w dziełach malarskich Marco Angeliniego jako przeniesienia życiowej energii z obszaru zakazanego przez normy społeczno-kulturowe na społecznie akceptowalny obiekt (według teorii Sigmunda Freuda).

Marco Angelini prezentuje przekrój zróżnicowanych malarskich dzieł, w których eksploruje tematykę pamięci, bólu oraz wyróżniającą się funkcję światła. Ukazuje je za pomocą abstrakcji i symboliki. Sam Artysta twierdzi, że „ból łączy pamięć, mieszając się i stając się innym wymiarem, a tym samym uzdrawiając się". Jego obrazy z żyletkami symbolicznie odwołują się do bolesnych doświadczeń, które kształtują nasze życie. Jednakże, mimo tematyki bólu, nie przekazują negatywnych wibracji, lecz są zbawcze i oczyszczające. Żyletka, jako prosty przedmiot, symbolizuje codzienne gesty. Artysta w swoich malarskich utworach oferuje personalizowane odczytanie bólu, pozostawiając miejsce na płynną interpretację, jednocześnie zachęca odbiorcę do refleksji nad własnymi doświadczeniami.

Według filozofii Kartezjusza ból jest reakcją ciała na bodziec, całkowicie niezależną od procesu myślenia. Rozmyślanie, ta nieuchwytna świadomość, staje się fundamentem nowożytnego rozumienia naszej psychiki. Twierdzenie Kartezjusza: „myślę, więc jestem” stanowi podstawę metafizyki i skłania do refleksji nad naturą ludzkiej egzystencji. Osiem prac z tego cyklu obrazowego, które stanowią podzbiór i odwołują się do zasad teorii psychologicznej Gestalt, odnosi się do percepcji. W swej twórczości artysta nie zamierzał formować sztywnej i niezaplanowanej serialności, ale chciał ją stworzyć płynną i żywą, taką, która otwierałaby się na nieskończone, dowolne umysłowe i duchowe relacje (2020, postrzegana struktura jest zawsze najprostsza, 30x30 cm, technika mieszana na płótnie; 2020, bliskość, 30x30 cm, technika mieszana na płótnie; 2020, ciąża, 30x30 cm, technika mieszana na płótnie; 2020, dobra kontynuacja, 30x30 cm, technika mieszana na płótnie; 2020, wspólny los, 30x30 cm, technika mieszana na płótnie; 2021, światło, 30x30 cm, technika mieszana na płótnie; 2020, kompleksowa obsługa, 60x50 cm, technika mieszana na płótnie; 2021, ludus, 120x80 cm, technika mieszana na płótnie; 2021, dryf kontynentów, 120x80 cm, technika mieszana na płótnie).

Dzieła Angeliniego nadają wystawie niezwykłej głębi i złożoności. Nie są jedynie statycznymi obrazami, ale dynamicznymi manifestacjami. Jego abstrakcje, inspirowane formami biomorficznymi, ukazują nam światy, które tkwią pod powierzchnią, jak mikroorganizmy w obiektywie mikroskopu ukryte przed naszą zwykłą percepcją. Kształty, kolory i kompozycje tworzą niezwykłą symfonię, prowokującą do zastanowienia się nad naturą istnienia i tajemnicą materii (2019, wewnątrz czasu, 150x16 cm, technika mieszana na płótnie; 2019, na zewnątrz czasu, 150x16 cm, technika mieszana na płótnie ‒ dzieła wykonane z nici do szycia, zainspirowane filozofią Giorgio Agambena). Współczesność to swoista relacja z własnym czasem ‒ wiąże się z nim, a jednocześnie się od niego dystansuje. Artysta świadomie dobiera kolory i kompozycje, aby stworzyć harmonię w chaosie, ukazując nam nie tylko świat zewnętrzny, ale także wewnętrzny pejzaż emocji i myśli. Seria z krawatami, poprzez tranzycję ich uprzedniej funkcji, staje się symboliczną pamięcią nowego przeznaczenia przedmiotu. Według Angeliniego „krawat wyraża rodzaj rytuału przejścia: młody chłopiec uczy się wiązać własny krawat i staje się mężczyzną. Węzły również się komunikują. Większe wyrażają siłę fizyczną, przywództwo i dominację nad innymi, podczas gdy mniejsze wskazują na kreatywność i skromność” (2018, siła i odwaga, 60x60 cm, technika mieszana na płótnie).

W niezwykłym kalejdoskopie sztuki Angeliniego (2017, nieskończoność, wieczność, 60x60 cm, technika mieszana na płótnie; 2017, wyspy szczęśliwe, 60x60 cm, technika mieszana na płótnie; 2017, Elizjum, 60x60 cm, technika mieszana na płótnie) odnajdujemy też odniesienia do mitologii greckiej i rzymskiej, gdzie wola, Elizjum czy wyspy szczęśliwe stają się metaforą ludzkich pragnień i marzeń.

Kosmos to słowo pochodzenia greckiego, zatracone w wielu językach świata, jak np. we włoskim, do którego nawiązuje Angelini w swojej narracji. Sądzi, że pierwotnym jego znaczeniem był porządek przypisywany armii szykującej się do bitwy. Pojęcie „porządku” zostało później przeniesione do gwiazd i harmonii sklepienia niebieskiego. Obecnie słowo kosmos jest powszechnie używane jako synonim wszechświata (2016, wszechświat, 120x80 cm, technika mieszana na płótnie; 2016, porządek, 120x80 cm, technika mieszana na płótnie). Nowością zwracającą uwagę widza mogą być nieprezentowane dotychczas lightboxy Angeliniego. Radiografie, które artysta wykorzystuje w swojej sztuce, stają się źródłem eksploracji zjawiska światła i niewidzialności (2021, kości i serce, 40x35 cm, lightbox, technika mieszana; 2021, anioły w ucieczce, 52x45 cm, technika mieszana; 2021, na talerzu milknie głos, 50x40 cm, technika mieszana). Poprzez te prace chce zwrócić uwagę na różne interpretacje światła i jego roli w tworzeniu, użytkowaniu oraz widzialności. To fascynująca twórczość, która nie tylko wzrusza, ale także pobudza naszą wyobraźnię i intelektualną ciekawość (2021, przyjaciel z Ameryki Południowej, 40x35 cm, lightbox, technika mieszana; 2021, westchnienie słonia, 50x40 cm, technika mieszana). Malarstwo Angeliniego cechuje się charakterystycznymi środkami wyrazu, które włoski profesor i krytyk sztuki Raffaele Gavarro, określił mianem „ramifikacji” formy. To pojęcie odnosi się do specyficznej, świadomej metody tworzenia, opracowanej i wykorzystywanej przez artystę w celu pogłębienia narracji.

Wystawa Sublimazione to nie tylko zbiór dzieł sztuki, lecz przestrzeń do zadumy nad naszym miejscem w świecie i rolą sztuki w subiektywnym życiu. Dzięki dziełom Marco Angeliniego odnosimy wrażenie, że przechodzimy przez labirynt ludzkiej psychiki, gdzie światło i cień, forma i treść splatają się w niezwykłą opowieść o życiu i egzystencji. To zaproszenie do podróży, która prowadzi nas przez głębokie zakamarki naszych emocji i myśli, pozwalając nam odkrywać nowe znaczenia i interpretacje świata wokół nas.

 

Kurator wystawy

Jan Kozaczuk

 

 

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Sublimazione. Trasformazione della Memoria, del Dolore e della Luce

«Che trattassimo la mente con la stessa cura con cui trattiamo il corpo»

«Gli uomini sono agitati e turbati non dalle cose, ma dalle opinioni ch'eglino hanno delle cose»

Epitteto

 

La mostra personale di Marco Angelini intitolata Sublimazione, presso la Galleria Test del Mazowiecki Instytut Kultury a Varsavia, ci porta nei territori dell'esperienza umana dove la memoria, il dolore e la luce diventano fonte di espressione artistica. Ispirandosi alle parole di Epitteto, che ci suggeriscono di trattare la mente con la stessa cura con cui trattiamo il corpo, è opportuno riflettere sul ruolo della sublimazione nelle opere pittoriche di Marco Angelini, come trasferimento dell'energia vitale dall'area proibita dalle norme socio-culturali a un oggetto socialmente accettabile (secondo la teoria di Sigmund Freud).


Marco Angelini presenta una rassegna di pittura, in cui esplora le tematiche della memoria e del dolore, nonché la funzione distintiva della luce. Le rappresenta attraverso l'astrazione e la simbologia. L'Artista stesso sostiene che “il dolore collega la memoria, mescolandosi diventa un’altra dimensione e così si cura”. I suoi quadri con lamette in maniera simbolica richiamano esperienze dolorose che plasmano le nostre vite. Tuttavia, pur trattando il tema del dolore, non trasmettono vibrazioni negative, ma portano salvezza e purificazione. La lametta, come oggetto semplice, simboleggia i gesti quotidiani. L'artista nelle sue opere pittoriche offre una lettura personalizzata del dolore lasciando spazio a un'interpretazione fluida: in questo modo invita il pubblico a riflettere sulle proprie esperienze.


Secondo la filosofia di Cartesio, il dolore è una reazione del corpo a uno stimolo, completamente indipendente dal processo di pensiero. La riflessione, quella coscienza sfuggente, diventa il fondamento di una moderna comprensione della psiche. L'affermazione di Cartesio “penso, dunque sono” costituisce la base della metafisica e invita a riflettere sulla natura dell'esistenza umana. Otto opere di questo ciclo pittorico, che costituiscono un sottogruppo e si riferiscono ai principi della teoria psicologica della Gestalt, trattano della percezione. L’artista non intendeva formare una serialità rigida e non pianificata, ma voleva crearla fluida e vivente, una che si aprisse a infinite, libere relazioni mentali e spirituali (2020, la struttura percepita è sempre la più semplice, 30x30 cm, tecnica mista su tela; 2020, prossimità, 30x30 cm, tecnica mista su tela; 2020, pregnanza, 30x30 cm, tecnica mista su tela; 2020, buona continuità, 30x30 cm, tecnica mista su tela; 2020, destino comune, 30x30 cm, tecnica mista su tela; 2021, luce, 30x30 cm, tecnica mista su tela; 2020, operazione complessa, 60x50 cm, tecnica mista su tela; 2021, ludus, 120x80 cm, tecnica mista su tela; 2021, continenti alla deriva, 120x80 cm, tecnica mista su tela).

Le opere di Angelini conferiscono alla mostra una straordinaria profondità e un continuum complesso. Non sono semplici immagini statiche ma piuttosto manifestazioni del dinamismo. Le sue astrazioni, ispirate alle forme biomorfiche, ci svelano mondi che risiedono sotto la superficie, come microrganismi nell’obiettivo di un microscopio, nascosti alla nostra percezione quotidiana. Forme, colori e composizioni creano una straordinaria sinfonia, che induce a riflettere sulla natura dell’esistenza e sul mistero della materia (2019, dentro il tempo, 150x16 cm, tecnica mista su tela; 2019, fuori dal tempo, 150x16 cm, tecnica mista su tela – opere realizzate con fili da cucito, ispirate alla filosofia di Giorgio Agamben). La contemporaneità è una particolare relazione con il proprio tempo: si lega ad esso, ma allo stesso tempo ne prende le distanze. L'artista sceglie consapevolmente colori e composizioni per creare armonia nel caos, mostrandoci non solo il mondo esterno, ma anche il paesaggio interiore di emozioni e pensieri. La serie con le cravatte, attraverso la transizione della loro funzione precedente, diventa una memoria simbolica di una nuova destinazione dell'oggetto. Secondo Angelini “la cravatta esprime una sorta di rito di passaggio: un giovane ragazzo impara ad annodare la propria cravatta e diventa un uomo. Anche i nodi comunicano. Quelli più grandi esprimono forza fisica, leadership e dominio sugli altri, mentre quelli più piccoli indicano creatività e modestia” (2018, forza e coraggio, 60x60 cm, tecnica mista su tela).


Nel meraviglioso caleidoscopio dell'arte di Angelini (2017, infinito, eterno, 60x60 cm, tecnica mista su tela; 2017, isole fortunate, 60x60 cm, tecnica mista su tela; 2017, Elysium, 60x60 cm, tecnica mista su tela) troviamo anche riferimenti alla mitologia greca e romana, dove la volontà, Elisio o le isole fortunate diventano una metafora dei desideri e dei sogni umani.


Il cosmo è una parola di origine greca, perduta in molte lingue del mondo, come ad esempio in italiano, a cui Angelini fa riferimento nella sua narrazione. Afferma che il significato originale del cosmo sia l'ordine attribuito a un esercito che si prepara alla battaglia. Il concetto di “ordine” è stato successivamente trasferito alle stelle e all'armonia della volta celeste. Oggi la parola cosmo è comunemente usata come sinonimo di universo (2016, universo, 120x80 cm, tecnica mista su tela; 2016, ordine, 120x80 cm, tecnica mista su tela).

Una novità che indubbiamente attirerà l'attenzione del pubblico sono i lightbox, che vengono presentati per la prima volta proprio alla mostra di Varsavia. Le radiografie, che l'artista utilizza per creare le sue opere, diventano una fonte di esplorazione del fenomeno della luce e dell'invisibilità (2021, le ossa e il cuore, 40x35 cm, lightbox, tecnica mista; 2021, angeli in fuga, 52x45 cm, tecnica mista; 2021, la voce sul piatto tace, 50x40 cm, tecnica mista). Attraverso queste opere, vuole attirare l'attenzione sulle diverse interpretazioni della luce e sul suo ruolo nella creazione, nell'utilizzo e nella visibilità. È un’arte affascinante, che non solo commuove, ma anche stimola l’immaginazione e la curiosità intellettuale (2021, un amico dal Sud America, 40x35 cm, lightbox, tecnica mista; 2021, il sospiro dell'elefante, 50x40 cm, tecnica mista).

La pittura di Angelini è caratterizzata da mezzi espressivi definiti dal professore e critico d'arte Raffaele Gavarro come “ramificazioni” della forma. È un concetto che si riferisce al metodo di creazione specifico e consapevole, sviluppato e applicato dall’artista per approfondire la narrazione.


La mostra Sublimazione non è solo una collezione di opere d'arte, ma prima di tutto uno spazio per la riflessione sul nostro posto nel mondo e sul ruolo dell'arte nella vita soggettiva. Grazie alle opere di Marco Angelini, abbiamo l'impressione di attraversare il labirinto della psiche umana, dove luce e ombra, forma e contenuto si intrecciano in una straordinaria narrazione sulla vita e sull’esistenza. È un invito al viaggio che ci conduce attraverso i vicoli più profondi delle nostre emozioni e pensieri, permettendoci di scoprire nuovi significati e interpretazioni del mondo che ci circonda.

 

Jan Kozaczuk

Curatore della mostra

 

Traduzione, dalla lingua polacca alla lingua italiana, di:

Katarzyna Foremniak

 

 

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Sublimation. Transformation of Memory, Pain and Light

So that we treat the mind with the same care as the body

Not the things bother the man, but rather the perception of them

EPICTETUS

 

The solo exhibition of Marco Angelini entitled Sublimazione in the Test Gallery of the Mazovian Institute of Culture in Warsaw takes us into the realms of human experience where memory, pain and light become a source of artistic expression. Inspired by the Epictetus quoted above which suggests us to treat our minds with the same amount of care we treat our bodies, we shall consider the role of sublimation in the paintings of Marco Angelini as a way of transfering vital energy from the area forbidden by the socio-cultural norms to the socially acceptable objects (according to the theory of Sigmund Freud).

Marco Angelini presents a wide range of paintings in which he explores the subject of memory, pain as well as the distinctive function of light. He depicts these notions through the use of abstraction and symbolism. The Artist himself claims that „pain links memory; by mixing they become a different dimension which at the same time appears to be healing”. His paintings with razor blades are a symbolic reference to the painful experiences that shape human life. However, despite the subject of pain, they do not transmit the negative vibrations but seem rather redemptive and purifying. Razor blade being a simple object symbolizes everyday gestures. In his picturesque pieces the Artist offers a personalized decryption of pain, leaving the space for smooth interpretation concurrently with the invitation for the viewer to reflect upon own individual experiences.

According to the philosophy of René Descartes, pain is a reaction of a human body to external stimuli and is completely independent from the thought process. Contemplation is such an elusive state of consciousness it serves as a foundation for the contemporary understanding of the human psyche. Descartes’ saying „I think therefore I am” constitutes the basis of metaphysics and invites us to reflect upon the nature of a human existence. Eight artworks dedicated to perception are a part of the pictorial cycle that refers to the assumptions of Gestalt psychology. In his compositions the Artist had no intentions of creating a rigid, disarranged seriality, but rather wanted them to be fluid and vivid in order to open the unlimited, free, mental and spiritual relations (2020, the perceived structure is always the simplest, 30x30 cm, mixed media on canvas; 2020, proximity, 30x30 cm, mixed media on canvas; 2020, pragnanz, 30x30 cm, mixed media on canvas; 2020, good continuation, 30x30 cm, mixed media on canvas; 2020, common fate 30x30 cm, mixed media on canvas; 2021, light, 30x30 cm, mixed media on canvas; 2020, complex operation 60x50 cm, mixed media on canvas; 2021, ludus, 120x80 cm, mixed media on canvas; 2021, continental drift, 120x80 cm, mixed media on canvas).

Angelini’s artworks give the exhibition an unique sense of depth and complexity. They are not just the static pictures but they can be perceived as dynamic manifestations. His abstract concepts inspired by biomorphic forms reveal the realms hidden under the surface such as the world of microorganisms which without the microscope are invisible to the naked eye. Shapes, colours and compositions create an incredible symphony which invites to ponder upon the nature of existence and the mystery of matter (2019, inside the time 150x16 cm, mixed media on canvas; 2019, out of time 150x16 cm, mixed media on canvas - both made with sewing thread, inspired by the philosophy of Giorgio Agamben). Contemporaneity is a peculiar and personal relation with time - it involves us in the moment but can also dissociate us from it. The Artist has mindfully chosen the colours and compositions to achieve harmony amid chaos reflecting not only the outside world, but also the landscape of inner thoughts and emotions. The series with neckties which completely change their function, constitute a symbolic memory of the purpose of this everyday item. According to Angelini “necktie is a reference to the rite of passage: when a boy learns how to tie his own necktie he becomes a man. The tie knots themselves also convey a message. Bigger ones express the physical strength, leadership and domination over others while the smaller ones indicate creativity and modesty” (2018, strength and courage, 60x60 cm, mixed media on canvas).

In the extraordinary kaleidoscope of Angelini’s art (2017, Infinite, eternal, 60x60 cm, mixed media on canvas; 2017, the fortunate isles, 60x60 cm, mixed media on canvas; 2018, Elysium, 60x60 cm, mixed media on canvas) we also find the references to Greek and Roman mythology where free will, Elysium or the fortunate isles are the metaphors for human dreams and desires.

Cosmos is a word of Greek origin that in other languages, such as Italian which was an example in Angelini’s narration, loses its initial meaning. He claims that its original sense refers to the order and structure of an army right before the battle. This notion of “order” was then taken to describe the position of stars and the harmony of the celestial dome. Nowadays the word cosmos is commonly used as a synonym for the universe (2016, universe 120x80 cm, mixed media on canvas; 2016, order, 120x80 cm, mixed media on canvas). The novelty that draws the attention of the viewers is Angelini’s concept of a lightbox. The Artist uses radiography to explore the properties of light as well as the idea of invisibility (2021, bones and heart, 40x35cm, lightbox, mixed media; 2021, angels on the escape 52x45 cm, mixed media; 2021, the voice on the plate is silent 50x40 cm, mixed media). Through these art pieces He wants to attract attention to the different interpretations of the world and its role in the process of creation, exploration and visibility. His fascinating works not only move the viewers but also fuel their imagination and curiosity (2021, friend from South America, 40x35 cm, lightbox, mixed media; 2021, the sigh of the elephant 50x40 cm, mixed media). Angelini’s paintings are characterized by the distinctive means of expression which an Italian professor and art critic Raffaele Gavarro defined as “ramification” of the form. This notion refers to the specific, conscious method of creation developed and utilized by the Artist in order to intensify the narration.

The exhibition Sublimazione is not only a collection of art works, but the space for reflection upon our place in the universe and the role of art in subjective life. Thanks to the creations of Marco Angelini we get the impression of moving through the labyrinth of the human psyche where the light and shadow, the form and content merge into the extraordinary story about life and existence. It is an invitation for a journey which leads us through the deepest recesses of human emotions and thoughts, letting us discover the new meanings and interpretations of the world that surrounds us.

 

Curator of the exhibition

Jan Kozaczuk

 

Translation from Polish into English: Gabriela Łukasiewicz

 

 

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Rhizomes

È della fine dell’800 l’epopea della “piccola Napoli”, il quartiere marsigliese dove si stabilirono i migranti giunti dalle falde del Vesuvio. Oggi ne restano solo pallide ombre, ma diversi studiosi ne hanno evidenziato il cruciale apporto umano, culturale ed economico che ne derivò. Il noto storico Pierre Milza, egli stesso di padre italiano, scrisse: “Città italiana da sempre, la metropoli focea è stata fino al 1914 la capitale dell’immigrazione transalpina in Francia. All’epoca, sui circa cinquecentomila abitanti della città, se ne contano quasi centomila di nazionalità italiana, ai quali è bene aggiungere i naturalizzati e i discendenti di migranti, legati i primi all’immigrazione recente, gli altri a trasferimenti molto più antichi”.

Greca d’origine, per buona parte di sangue italiano e più in generale mediterraneo, Marsiglia resta ancor oggi visceralmente restia a ogni rigida assimilazione gallocentrica.

In comune con le altre perle portuali del Mediterraneo, da Istanbul a Tangeri, da Barcellona a Beirut, Marsiglia non ha solo una storia economica legata al traffico marittimo.

Le ferite della guerra d’Algeria aprirono una fase segnata da un fitto intreccio cittadino di radici familiari extraeuropee e in particolare maghrebine. È soprattutto questo caleidoscopio d’influenze ed accenti, questo laboratorio antropologico mediterraneo, cugino di quello palermitano esaltato da Léopold Senghor, che ha favorito una proliferazione di contaminazioni sociali, di iperconnesioni sociologiche. Marsiglia possiede un centro storico rimasto lo scrigno di una certa anima popolare, crogiolo di culture.

Tale capillarità è minuziosamente ma non didascalicamente descritta dalle tele toccate dal colore acrilico di Marco Angelini, artista sociologo di formazione, che, completamente scevre da forzature e obblighi interpretativi e adempiendo perfettamente alla logica astrattista, raccontano una commistione visiva e ideologica al contempo, la coesistenza e la coesione di culture e sottoculture differenti.

La capillarità è, per scientifica definizione, l'insieme di fenomeni dovuti alle interazioni fra le molecole di un liquido e un solido sulla loro superficie di separazione. Le forze in gioco che si manifestano in tale fenomeno sono la coesione, l'adesione e la tensione superficiale. Le campiture piatte di Angelini accolgono, divenendo habitat colorati, macchie che tendono alla circolarità benché informi, fluide, in un continuo divenire; questi elementi coabitano con elementi più netti, forme più precise, che rimandano ad un infinitesimo rapporto spazio-temporale tra macro e micro, tra la collettività e l’individuo, tra le collettività stesse e vicendevoli. Il titolo della mostra, Rhizomes, facilmente suggerisce l’idea di migrazione come felice estensione, rigoglioso ideale rigonfiamento e dunque crescita, espansione evolutiva esponenziale e continua; la metafora del rizoma è stata adottata da Gilles Deleuze e Félix Guattari per caratterizzare un tipo di ricerca filosofica che procede per multipli, senza punti di entrata o uscita ben definiti e senza gerarchie interne: ecco che alle macchie di colore informi e accoglienti delle tele si affiancano i cuori idealmente pulsanti in gesso colorato, simbolo di vita pulsante, la stessa vitalità, lo stesso moto, si ritrova nei calzini che si affrancano alle tele colorate, lapalissiani simboli delle ondate migratorie, d’un’inesorabile deriva evolutiva che in modo irreversibile e granitico s’innesta nella storia del territorio.

Il progetto espositivo, a cura di Giuditta Elettra Lavinia Nidiaci, si propone d’indagare il rapporto identità-migrazione in relazione alla storia del luogo che lo ospita, nonché l’impatto e il ruolo della cultura italiana all’estero.

Giuditta Elettra Lavinia Nidiaci

 

 

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Con la serie Rhizomes, composta da dieci opere a tecnica mista su tela di formato 30×30 cm, ho voluto affrontare il tema della migrazione intesa come movimento

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Con la serie Rhizomes, composta da dieci opere a tecnica mista su tela di formato 30x30 cm, ho voluto affrontare il tema della migrazione intesa come movimento e diramazione di culture. La mia ricerca si è concentrata sul concetto di melting pot, sulla fusione e sulla continua trasformazione che caratterizzano i processi migratori.

Sulle tele, il colore acrilico si mescola con diversi oggetti, dando vita a superfici ibride che riflettono la complessità dei fenomeni sociali che intendo evocare. Questo intreccio di materiali e linguaggi visivi rimanda al modo in cui identità e culture si contaminano, si trasformano e generano nuove forme di espressione.

Il titolo della serie, Rhizomes, rimanda a un’idea di radicamento non gerarchico, di crescita rizomatica, orizzontale, che suggerisce la migrazione come estensione vitale, come possibilità di espansione e di evoluzione. Non ho cercato di descrivere un fenomeno chiuso, ma piuttosto di restituire la sua fluidità, la sua capacità di mutare e di generare nuove connessioni.

L’intero progetto si lega in modo diretto al contesto della città che lo ospita: Marsiglia. Questo luogo, con il suo centro storico ancora custode di un’anima popolare, si è affermato nel tempo come crocevia di culture, un vero crogiolo in cui tradizioni e comunità diverse hanno trovato terreno comune. Marsiglia incarna in sé la proliferazione di contaminazioni sociali e di connessioni sociologiche che volevo portare sulla tela.

Ogni opera affronta una sfaccettatura di questi processi: dal rapporto tra identità e verità (Il rapporto con la verità, Identità) ai temi legati alla dimensione geopolitica e sociale (Le sorti dell’Europa, Terzo mondo), fino agli aspetti più intimi e personali della migrazione (Lasciando la mia terra). Altri lavori si concentrano invece sulle trasformazioni culturali e materiali, come in I nuovi oggetti di consumo o Sottoculture, mentre opere come Monito e Melting pot sottolineano la tensione, ma anche la potenzialità, insita nei processi di incontro e mescolanza.

Con Rhizomes ho cercato di restituire la migrazione non come trauma o perdita, ma come processo dinamico che genera movimento, fluidità e nuove possibilità di convivenza.

Marco Angelini

 

 

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Stat sua cuique dies

(Virgilio, Eneide X, 467)

La memoria dell’Uomo si nutre di oggetti: le foto ricordo che immortalano momenti speciali, i manufatti artigianali tipici dei luoghi visitati durante un viaggio, i regali che suggellano ricorrenze, i quaderni o i giochi d’infanzia dei propri figli… tutte cose che chiunque di noi conserva, colleziona e che sono in grado di rinverdire i ricordi consentendoci di mantenere – per così dire – presenti e vive, almeno in parte, le nostre più significative esperienze passate.

Analogamente, l’arte di Marco Angelini si alimenta di oggetti: oggetti di uso comune, che hanno assolto da tempo la loro funzione primigenia, e che l’artista recupera sia per la loro valenza estetica (a volte assolutamente indipendente dall’utilizzo per il quale erano stati creati), sia per il carico di significato ad essi intrinseco, peraltro non sempre immediatamente intuibile al primo sguardo.

Nell’incastonare tali prodotti all’interno delle proprie opere, Angelini assolve una duplice funzione: dona ad essi una nuova vita e una rinnovata dignità, trovando in questo illustri predecessori nella storia dell’Arte (Duchamp, Burri, Manzoni, gli esponenti del Nouveau Réalisme come Arman e Spoerri, Mimmo Rotella…), ma non solo. Infatti egli, sociologo di formazione, studia e sceglie gli oggetti anche per il peculiare rapporto che essi hanno con il Tempo, inteso come “un costante divenire, – spiega l’artista – una trasformazione incessante da ciò che era a ciò che sarà, passando per l’attuale, il presente”. In questa ricerca, di matrice esperienziale, è evidente il ruolo primario giocato dalla memoria, che è capace di catturare e tramandare le “tracce di passato” affinché divengano testimonianza tangibile di ciò che è stato, anche a beneficio delle generazioni future.

In questo solco si inserisce perfettamente la mostra dal titolo ‘A ciascuno il suo giorno’, ispirata alla storia di un’eccellenza industriale italiana del secolo scorso, l’azienda Longo S.p.A.. Si trattava di una delle maggiori realtà produttive d’Europa nel settore di inchiostri, articoli per l’ufficio e per le belle arti, con sede a Predosa (Bologna), e venne portata all’apice delle sue potenzialità da Giorgio Longo (1909 – 1973), il quale fu anche collezionista d’arte e appassionato cultore di letteratura, musica e teatro.

In 14 tele di diversi formati, realizzate con tecnica mista nel corso di quest’anno, Marco Angelini ripercorre idealmente la vicenda e la filosofia dell’azienda Longo grazie all’utilizzo di prodotti originali della fabbrica di cancelleria – datati tra gli anni ’30 e gli anni ’50 – e di foto tratte dai cataloghi di vendita dell’epoca, il tutto inserito sapientemente sulla superficie pittorica e inglobato con naturalezza nel contesto dell’opera. Ne scaturisce un corpus artis insolito ed originale, che mescola sapore rétro e contemporaneità, nella dialettica studiata e manifesta tra i vari oggetti, quasi tutti perfettamente riconoscibili nella loro identità funzionale, e la forma astratta che li colloca in una dimensione inedita, moltiplicandone le potenzialità semasiologiche.

Gomme da cancellare di vario formato (incluse quelle esagonali per eliminare i tratti di penna), pastelli a cera, cuscinetti di inchiostro per timbri, righelli e squadre, persino l’ormai obsoleta carta-carbone che serviva a replicare in più copie i documenti, diventano protagonisti di opere che – testimoniando la vasta produzione della Longo S.p.A., di cui esibiscono il marchio e spesso anche le suggestive denominazioni (ad esempio la gomma da cancellare “Vicky”, a cui fu dato il diminutivo di Vittoria, moglie del presidente Giorgio Longo) – si fanno portatrici di un messaggio più universale: quello dello scorrere inesorabile del tempo e del cambiamento degli usi e dei costumi della nostra società nell’ultimo secolo di storia, dovuto in gran parte alla rapida e prevaricante evoluzione della tecnologia. Le tele di Angelini, la cui superficie spaziale è scandita da geometriche alternanze di colore e di materiali in un gioco di ragionate simmetrie, appaiono dunque come “espositori”, “vetrine” di una serie selezionata di reliquie laiche – gli articoli di cancelleria, appunto – che celebrano la quotidianità rassicurante e operosa di un recente passato, più in concreto di quell’Italia del boom economico del secondo Dopoguerra in cui l’azienda guidata dalla quinta generazione della dinastia Longo divenne leader indiscussa del settore.

L’artista non si limita tuttavia ad un’operazione asettica di recupero della memoria e di riutilizzo di vecchi prodotti di magazzino, ma al contrario si compiace nel riscoprire in quel mondo vintage una carica comunicativa del tutto peculiare, sublimandola in rapporto con l’espressività artistica che gli è propria. Privilegia sfondi prevalentemente monocromi o bicromi, con tinte accese e quasi “pop”; si cimenta in un’accurata ripartizione degli spazi, che diventano di volta in volta scacchiere, circuiti o labirinti (‘Circus Longo’ o ‘La scatola delle meraviglie’ su tutti); gioca in alcuni casi con la serialità dell’oggetto (come nelle opere ‘I segni del tempo’ o ‘Plasticrom Longo’), in altri con la sua fisicità (‘Gomma arabica’), in altri ancora con il messaggio di cui è portatore (‘Longo Sub’).

Significative, in particolare, due opere: ‘Logo Longo’, in cui Angelini reinterpreta ed esalta alla propria maniera il marchio dell’azienda, che si scompone nelle macro-lettere dislocate agli angoli e al centro della tela (delimitate da celle su sfondo giallo) per addensarsi allo stesso tempo in una miriade di piccoli loghi uguali e ripetuti, a restituirne il significato compiuto; e ‘Ex Libris. La misura del tempo’, che vede protagonisti sulla tela gli ex-libris (le etichette da apporre sui libri per indicarne il proprietario) appartenuti a Giorgio Longo, piccole opere d’arte esse stesse – su cui l’artista imprime il proprio segno distintivo – recanti il motto Stat sua cuique dies, da cui il titolo della presente mostra.

A ciascuno (è dato) il suo giorno, ma all’Arte è affidato il compito di “ridonare visibilità alle cose, generare attenzione e creare così nuove possibilità di condivisione, comunicazione e interrogazione” (Marco Angelini).

Raffaella Salato

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La ricerca della salvezza come impegno

Raffaele Gavarro

 

“Ma là dove c’è il pericolo, cresce/Anche ciò che salva”.

Si tratta di uno dei versi più famosi di Friedrich Hölderlin, uno dei primi dell’inno Patmos al quale il poeta aveva lavorato nell’inverno del 1802 su commissione del langravio Federico V di Homburg. Come forse è capitato a molti, ho incontrato questo verso nel corso della lettura di un testo di Martin Heidegger, La questione della tecnica del 1953, che il filosofo usò a sua volta quasi come un incipit della parte finale del suo riflettere sulla necessità di comprendere l’essenza della tecnica.

Ma perché inizio da qui, dal verso di un poeta a sua volta utilizzato da un filosofo, per ragionare del lavoro di Marco Angelini?  

La prima ragione è che Patmos, il nome dell’isola greca che da il titolo all’inno, è il luogo dove l’evangelista Giovanni scrisse l’Apocalisse. Quando leggendo Hölderlin ne ho avuto conoscenza, ho inevitabilmente pensato a quanto quelle parole e il luogo e le ragioni che lo ispiravano erano a noi in una certa misura prossimi; ma anche a come il sentimento di speranza che ne traeva Heidegger, a proposito della tecnica, fosse per noi, ovviamente, possibile ricondurlo alla tecnologia del nostro presente. 

Tutto il lavoro di Angelini è connesso sostanzialmente a questi elementi: da una parte la consapevolezza di essere giunti ad un confine, ad un momento appena precedente la catastrofe, e dall’altra di come proprio la tecnologia possa essere la salvezza; ma non da ultimo, e proprio seguendo il pensiero di Heidegger, di quanto l’arte possa essere la via per raggiungere quella stessa salvezza.

Anche se questo inizio appare, almeno in parte, come uno sbilanciamento poetico, l’intenzione è per la verità quanto mai razionale, e segue in tal senso la costruzione pittorica di Angelini. I suoi quadri sono infatti una messa a registro della necessaria complementarietà dell’analogico nel quale siamo, e che siamo, con quegli elementi altrettanto fisici che però derivano da una scienza, e relativa tecnologia, che stanno dando forma all’evoluzione digitale. Pittura e cellule fotovoltaiche si coniugano sulla tela costruendo una struttura visiva e di senso che si pretende come univoca, ma che soprattutto pretende da noi, dal nostro sguardo, una continuità tra l’una e gli altri, dichiarando la necessarietà di una nuova armonia tra natura e tecnologico.

La teoria dei tredici quadri che si srotola sotto i nostri sguardi definisce così un percorso mentale dettato da una logica tanto stringente quanto avvincente. Le forme geometriche inglobano e regolano i riquadri fotovoltaici, trovando da una parte un “fondamento mitologico”[1] nella pittura astratta del Novecento, con la conseguenza di rendere altrettanto “fondamento mitologico” la tecnologia fattasi parte coerente della narrazione. Ma la cosa davvero interessante e importante è che questa formalizzazione e le radici che ritrova nella storia come nel nostro presente, spingono inevitabilmente verso il futuro attraverso un doppio piano immaginativo ed etico. Se il primo, quello immaginativo, è da noi istintivamente raggiungibile attraverso la consueta assunzione del ruolo primario e ineludibile dell’arte; il secondo, quello etico, merita una riflessione più approfondita che ci aiuti ad assumere quello che è il ruolo dell’arte di un oggi che si fa immediatamente e continuativamente domani.

A questo proposito possiamo affermare con una certa sicurezza, che il modo con il quale l’arte assume un ruolo decisivo nel nostro vivere è quello di istituirsi nello spazio-tempo pubblico, collettivo, come un paradigma che ha la funzione irrevocabile di rintracciare il senso del tutto attraverso il sensibile, il sensoriale. Ovviamente è una condizione, uno stato, che è da sempre dell’arte. Ma la sua specificità attuale, diversamente da ieri, è quella di attivarsi nello spazio-tempo pubblico attraverso una condizione etica piuttosto che estetica. O per meglio dire, essa è attuata attraverso un’estetica, un darsi sensoriale, che ha una finalità irrevocabilmente etica.

Salvarsi attraverso l’arte significa riconoscerle, nel suo stesso costituirsi ed esporsi nello spazio-tempo pubblico, la funzione di un paradigma esemplare, un dispositivo da utilizzare per dare senso al quotidiano.

Nel lavoro di Marco Angelini questa tensione etica è costante, direi che è il suo impegno nel mondo, che aziona attraverso la coniugazione di elementi che se hanno un ovvio impatto visivo, si costituiscono nella sostanza di un’indicazione paradigmatica di una reciproca occorrenza.

La salvezza che Angelini ci indica come possibile è proprio in questa reciprocità, nella dimostrazione della necessità che le è implicita. La luce dei colori, le stesure geometriche, ma anche quelle zone in cui il colore si raggruma in episodi organici, trovano nel controcanto del nero delle superfici artificiali fotosensibili, il complemento concreto, l’esemplificazione del nostro stesso processo evolutivo.

Gli opposti trovano equilibrio e sintesi sulla superficie del quadro pacificando quelle stesse premesse problematiche dalle quali avevano preso le mosse. È quindi prima di tutto un lavoro critico, che separa e valuta gli elementi in gioco prima di restituirli in continuità.

A questo proposito mi torna in mente la frase conclusiva di un testo di Michel Foucault, Che cos’è l’Illuminismo?[2] del 1984, forse l’ultimo realizzato prima della sua morte. Com’è noto il testo del filosofo francese prendeva spunto da uno scritto di Immanuel Kant del 1784, ugualmente intitolato Was ist Aufklärung?, e si concludeva appunto con queste parole: “Non so se oggi si debba dire che il lavoro critico implica ancora la fede nell’Illuminismo; credo che comporti sempre il lavoro sui nostri limiti, vale a dire un travaglio paziente che dà forma all’impazienza della libertà.”

Com’è noto per Foucault la libertà è una condizione ontologica dell’etica e allo stesso tempo quest’ultima è la forma riflessa che assume la libertà. Ho sempre pensato che in questo indissolubile legame tra etica e libertà ci sia molto del senso, oltre che del ruolo, che l’arte ha assunto su di sé, e che oggi trova ulteriori ragioni nell’impegno a trovare la salvezza. 

 

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La búsqueda de la salvación como compromiso

 

Texto de Raffaele Gavarro

 

"Donde está el peligro, crece también lo que salva ".

Es una de las líneas más famosas de Friedrich Hölderlin, una de las primeras del himno de Patmos en el que el poeta había trabajado en el invierno de 1802, por encargo del Landgrave Frederick V de Hesse-Homburg. Como quizás les haya pasado a muchos, encontré este verso mientras leía el texto de Martin Heidegger, La pregunta por la técnica de 1953, que el filósofo a su vez utilizó casi como apertura de la parte final de su reflexión sobre la necesidad de comprender la esencia de la técnica.

Pero, ¿por qué empiezo desde aquí, desde el verso de un poeta utilizado a su vez por un filósofo, para discutir la obra de Marco Angelini?

La primera razón es que Patmos, nombre de la isla griega que da título al himno, es el lugar donde el evangelista Juan escribió el Apocalipsis. Al leer Hölderlin me familiaricé con él, inevitablemente pensé en cómo esas palabras, el lugar y las razones que lo inspiraron resultaban cercanas; pero también cómo el sentimiento de esperanza que Heidegger extrajo de él, con respecto a la tecnología, fuese para nosotros obviamente posible extrapolar hasta la tecnología de nuestro tiempo.

Todo el trabajo de Angelini está sustancialmente ligado a estos elementos: por un lado, a la conciencia de haber llegado a una frontera, en un momento previo a la catástrofe y, por otro, de cómo la tecnología puede ser la salvación. Por último, pero no menos importante y siguiendo precisamente el pensamiento de Heidegger, de cuánto el arte puede ser el camino para alcanzar esa misma salvación.

Aunque este comienzo parezca, al menos en parte, un desequilibrio poético, la intención es en realidad muy racional y en este sentido sigue la construcción pictórica de Angelini. Sus pinturas son, de hecho, un registro de la necesaria complementariedad de lo analógico en lo que estamos, y lo que somos, con esos elementos igualmente físicos que, sin embargo, derivan de una ciencia y respectiva tecnología que están dando forma a la evolución digital. Pintura y células fotovoltaicas se conjugan sobre el lienzo, construyendo una estructura visual y de sentido que se pretende como unívoca, que sobre todo exige de nosotros, de nuestra mirada, una continuidad entre ellas, declarando la necesidad de una nueva armonía entre naturaleza y tecnología.

La teoría de las trece pinturas que se despliega ante nuestros ojos define así un viaje mental dictado por una lógica tan rigurosa como convincente. Las formas geométricas engloban y regulan los paneles fotovoltaicos, encontrando por un lado un "fundamento mitológico"[3] en la pintura abstracta del siglo XX, con la consecuencia de convertir en  “fundamento mitológico” la tecnología que se convierte en parte coherente de la narrativa. Pero lo realmente interesante e importante es que esta formalización y las raíces que encuentra tanto en la historia como en nuestro presente, empujan inevitablemente hacia el futuro a través de un doble plano imaginativo y ético. Si el primero, el imaginativo, nos parece instintivamente alcanzable a través de la habitual asunción del rol primario e inevitable del arte; el segundo, el ético, merece una reflexión más profunda que nos ayude a asumir el papel del arte de hoy, que se hace inmediato y continuado mañana.

En este sentido, podemos afirmar con una cierta seguridad, que el modo con el que el arte asume un papel decisivo en nuestra vida es el de instituirse en el espacio-tiempo público, colectivo, como un paradigma que tiene la función irrevocable de encontrar el sentido del todo a través de lo sensible, lo sensorial. Evidentemente es una condición, un estado, que desde siempre ha pertenecido al arte. Pero su especificidad actual, a diferencia de ayer, es la de activarse en el espacio-tiempo público a través de una condición ética más que estética. O, mejor dicho, se implementa a través de una estética, un darse sensorial, que tiene un propósito irrevocablemente ético. Salvarse a través del arte significa reconocerle, en su misma constitución y exposición en el espacio-tiempo público, la función de un paradigma ejemplar, un dispositivo para dar sentido a la vida cotidiana.

En el trabajo de Marco Angelini esta tensión ética es constante, yo diría que es su compromiso con el mundo, que opera a través de la conjugación de elementos que, si tienen un evidente impacto visual, se constituyen en la sustancia de una indicación paradigmática de una ocurrencia mutua.

La salvación que Angelini nos indica como posible está precisamente en esta reciprocidad, en la demostración de la necesidad que le está implícita. La luz de los colores, los dibujos geométricos, pero también aquellas áreas en las que el color se agrupa en episodios orgánicos, encuentran en el contrapunto negro de las superficies artificiales fotosensibles, el complemento concreto, la ejemplificación de nuestro propio proceso evolutivo.

Los opuestos encuentran equilibrio y síntesis sobre la superficie del cuadro, pacificando esas mismas premisas problemáticas de las que partieron. Por tanto, se trata ante todo de un trabajo crítico, que separa y evalúa los elementos en juego antes de devolverlos de forma continua.

En este sentido, recuerdo la frase final de un texto de Michel Foucault, ¿Qué es la Ilustración? ^[4]de 1984, quizás el último realizado antes de su muerte. Como es bien sabido, el texto del filósofo francés se inspiró en un texto de Immanuel Kant de 1784, igualmente titulado ¿Was ist Aufklärung? y concluía con estas palabras: “No sé si hoy tenemos que decir que el trabajo crítico todavía implica

la fe en la Ilustración; creo que siempre implica trabajar en nuestros límites, es decir, un trabajo paciente que da forma a la impaciencia de la libertad”.

Como se le conoce a Foucault, la libertad es una condición ontológica de la ética y, al mismo tiempo, esta última es la forma reflejada que asume la libertad. Siempre he pensado que en este vínculo indisoluble entre ética y libertad haya mucho del sentido, así como del rol, que el arte ha asumido y que hoy encuentra más razones en el compromiso a encontrar la salvación.

 

 

 

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Poszukiwanie zbawienia jako powinność

 

Raffaele Gavarro

 

,,Lecz gdzie jest niebezpieczeństwo, wzrasta Także to, co ocala".

 

Jest to jeden z najsłynniejszych wersów Friedricha Hölderlina, jeden z pierwszych hymnów Patmos, nad którymi poeta pracował zimą 1802 r. na zlecenie landgrafa Fryderyka V z Homburga. Jak przypuszczalnie przydarzyło się to wielu, z tym wersetem zetknąłem się czytając tekst Martina Heideggera pt.,,Kwestia techniki" z 1953 roku, który z kolei filozof wykorzystał niemal jako początek ostatniej części refleksji nad potrzebą zrozumienia istoty techniki.

 

Ale dlaczego zaczynam od tego miejsca, od wiersza poety, którym posłużył się filozof, abym mógł omówić twórczość Marco Angeliniego?

 

Pierwszym powodem jest to, że Patmos, nazwa greckiej wyspy, od której pochodzi tytuł hymnu, jest miejscem, w którym ewangelista Jan napisał Apokalipsę. Wczytając się w Hölderlina  nieuchronnie myślałem o tym, jak bliskie są nam te słowa, miejsce oraz powody, które go zainspirowały. Także w jaki sposób poczucie nadziei, jakie czerpał z niego Heidegger w odniesieniu do techniki, było oczywiście możliwe, abyśmy mogli prześledzić je z powrotem w technologii naszej teraźniejszości.

 

Cała twórczość Angeliniego jest istotnie związana z tymi elementami: z jednej strony świadomość osiągnięcia granicy, w chwili tuż przed katastrofą, a z drugiej, w jaki sposób technika może być zbawieniem i wreszcie, nie mniej ważne, ale dokładnie idąc za myślą Heideggera, jak bardzo sztuka może być drogą do osiągnięcia tego samego zbawienia.

 

Nawet jeśli ten początek jawi się, przynajmniej częściowo, jako poetycka nierównowaga, intencja jest w rzeczywistości bardzo racjonalna. W tym sensie podąża za obrazową konstrukcją Angeliniego. Jego obrazy są w rzeczywistości rejestracją niezbędnej komplementarności analogu, w którym jesteśmy i kim jesteśmy, z tymi równie fizycznymi elementami, które wywodzą się z nauki i pokrewnej technologii, które nadają kształt ewolucji cyfrowej. Malarstwo i ogniwa fotowoltaiczne łączą się na płótnie, budując wizualną i wymowną strukturę, która jest jedyną w swoim rodzaju. Przede wszystkim wymaga od nas, od naszego spojrzenia, ciągłości między jednym a drugim, deklarując konieczność nowej harmonii pomiędzy naturą i technologią.

 

Teoria trzynastu obrazów, która rozwija się na naszych oczach, definiuje zatem mentalną podróż podyktowaną logiką równie przekonującą, co zniewalającą. Geometryczne kształty obejmują i regulują panele fotowoltaiczne, znajdując z jednej strony „podstawę mitologiczną” [1] w malarstwie abstrakcyjnym XX wieku, w konsekwencji czyniąc je „podstawą mitologiczną” technologia stała się spójną częścią narracji. Ale naprawdę interesujące i ważne jest to, że ta formalizacja i korzenie, jakie odnajduje w historii, jak również w naszej teraźniejszości, nieuchronnie pchają ku przyszłości na podwójnej płaszczyźnie wyobraźni i etyki. Jeśli pierwsza, wyobrażeniowa, jest instynktownie osiągalna przez zwykłe założenie o pierwotnej i nieuniknionej roli sztuki;  druga, etyczna, zasługuje na głębszą refleksję, która pomoże nam przyjąć rolę sztuki dzisiejszej, aby jutro się urzeczywistniać natychmiast i nieprzerwanie.

 

W związku z tym możemy z całą pewnością powiedzieć, że sposób, w jaki sztuka odgrywa decydującą rolę w naszym życiu, polega na ugruntowaniu się w publicznej, zbiorowej czasoprzestrzeni jako paradygmacie, który pełni nieodwołalną funkcję śledzenia znaczenia poprzez wrażliwość i zmysłowość. Oczywiście jest to warunek, stan, który zawsze należał do sztuki. Jego obecna specyfika, w przeciwieństwie do wczoraj, polega na tym, że jest aktywowana w przestrzeni publicznej poprzez warunek etyczny, a nie estetyczny. Realizuje się to poprzez estetyczne, zmysłowe dawanie, które ma nieodwołalny cel etyczny.

 

Ratowanie się poprzez sztukę oznacza rozpoznanie ich w samej jej konstytucji i odsłonięcie się w przestrzeni publicznej, funkcję wzorcowego paradygmatu, narzędzia służącego do nadania sensu codzienności.

 

W pracy Marco Angeliniego to napięcie etyczne jest stałe. Powiedziałbym, że to jego zaangażowanie w świat działa poprzez sprzężenie elementów, które, jeśli mają oczywiste oddziaływanie wizualne, konstytuują się w istocie paradygmatycznego wskazania wzajemnego zdarzenia.

 

Zbawienie, które Angelini wskazuje nam jako możliwe, jest właśnie w tej wzajemności, w wykazaniu konieczności, która jest w niej zawarta. Światło barw, geometryczne rozpiętości, ale także te obszary, w których kolor skupia się w organiczne epizody, odnajdują w kontrapunkcie czerni światłoczułych sztucznych powierzchni, faktyczne dopełnienie, egzemplifikację naszego własnego procesu ewolucyjnego.

 

Przeciwieństwa odnajdują równowagę i syntezę na powierzchni obrazu, tonując te same problematyczne przesłanki, od których wyszły. Dlatego jest to przede wszystkim praca osądzająca, która oddziela i wartościuje wykorzystane elementy w ich ciągłym użytkowaniu.

 

Przypomina mi się w tym względzie końcowe zdanie dzieła Michela Foucaulta ,,Czym jest Oświecenie?" [2] z 1984 roku, być może ostatniego przed jego śmiercią. Jak wiadomo, tekst francuskiego filozofa został zainspirowany utworem Immanuela Kanta z 1784 r., również zatytułowanym ,,Was ist Aufklärung? ", który kończył się następującymi słowami: ,,Nie wiem, czy należy dziś powiedzieć, że praca krytyczna nadal implikuje wiarę w Oświecenie; Wierzę, że zawsze wiąże się to z pracą nad naszymi granicami, czyli cierpliwą pracą, która nadaje kształt niecierpliwości wolności”.

 

Jak wiadomo Foucaultowi, wolność jest ontologicznym warunkiem etyki i jednocześnie ta ostatnia jest odbiciem formy, jaką przybiera wolność. Zawsze myślałem, że w tym nierozerwalnym związku między etyką a wolnością jest wiele znaczenia, a także roli, jaką sztuka przyjęła na siebie. Dziś znajduje dalsze uzasadnienie w dążeniu do zbawienia.

 

 [1] R. Gavarro, Sztuka bez sztuki - Zmiany w rzeczywistości analogowo-cyfrowej, Maretti Editore, 2020

 

 [2] M. Foucault, Estetyka istnienia, etyka, polityka – Archivio Foucault 3, Feltrinelli, 1998

 

 

 

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The search for salvation as a commitment

by Raffaele Gavarro

 

"Wherein lies the danger, grows also the saving power."

It is one of Friedrich Hölderlin’s most famous rhymes, one of the first in the hymn of Patmos which the poet had been working on in the winter of 1802 under the command of Landgrave Prinz Friedrich von Homburg. How it happened to many, I came across this verse while reading a text by Martin Heidegger, The Question Concerning Technology of 1953, which the philosopher almost used as an incipit for the last part of his need to reflect on the understandings of the essence of technology.

But why start from here, the verse of a poet alternately used by a philosopher, in favor of the works of Marco Angelini?

The first reason is that Patmos, the name of the Greek Island gives the title to the hymn, is the place where the evangelist Giovanni wrote his Apocalypse. As I read Hölderlin, I was aware and inevitably thought that the words, the place and the reasons that inspired him were somehow next to us; but also, that the feeling of hope that Heidegger drew from it, about technique, was for us, of course, possible to bring it back to the technique of our present.

All of Angelini's work is substantially linked to these elements: on the one hand, the awareness of having reached a border, at a moment just before the catastrophe, and on the other hand how technology can be lifesaving; last but not least, and right after Heidegger’s thought, how much art can be the means to achieve the same salvation.

Although this startup may appear, at least in part, as a poetic imbalance, the intention is for the truth how ever rational, and it follows Angelini’s pictorial framework. His paintings are in fact a completion check of the necessary complementarity of the analogic in which we are, and that we are, with those equally physical elements derive instead from science and its related technology, which give currently shape to the digital evolution. Paint and photovoltaic cells combine on the canvas building a visual structure and a meaning claimed as unique, but above all it claims through us, through our eyes, a continuity between one and the other, declaring the need for a new harmony between nature and technology.

The theory of the thirteen Angelini’s works that unfold before our eyes defines such a mental journey dictated by a logic as tight as it is resounding. The geometric forms incorporate and regulate the photovoltaic boxes, finding on the one hand a “mythological foundation” in the abstract painting of the 20th century, with the consequence of rendering a moreover “mythological foundation” the technology already been consistent narration. But what is really interesting and important is this formalization rooted in history as well as in our present inevitably pushes towards the future through a double imaginative and ethical project. If the first, the creative, is instinctively accessible to us by the usual assumption of the primary and inevitable role of art; the second, ethics, deserte a deeper reflection that helps us take on the role of today’s art that is immediately and continuously tomorrow.

So, then we can affirm with rather certainty that the way in which art assumes a decisive role in our lives is to diffuse itself in the public space-time as a paradigm which has an unchangeable function: To trace the overall meaning through the sensitive, the bodily. Obviously, this is a condition, a state that has always been art. But its current specificity, if not yesterday, is to activate in the public space-time through an ethical bodily condition rather than one is aesthetics. Or rather, it is implemented aesthetically, a sensory gift, which has an unchangeable ethical target.

To save through art is to recognize in it, in its constitution and its exhibition in the public space-time, the function of an exemplary paradigm, a device to be used to give meaning to everyday life.

In the work of Marco Angelini, this ethical tension is constant, I would say that it is his commitment to the world, which operates through the combination of elements which, if they have an obvious visual impact, they are constituted under the constituent of a paradigmatic suggestion of reciprocal occurrence.

The salvation that Angelini tells us is likely is precisely in this reciprocity, in the demonstration of the necessity that is implicit. The light of colors, the geometrical drafts, but also these zones in which the color is abandoned in biological episodes, find in the counter sound of the photosensitive artificial surfaces’ black, the complement in concrete, the exemplification of our same evolutive process.

Opposites find balance and synthesis on the artworks’ surface, pacifying those same problematic premises from which they had started. It is therefore first of all a critical work, which separates and evaluates the elements at stake before returning them continuously.

So, then again I am reminded of the concluding sentence of a text by Michel Foucault, What is the Enlightenment? of 1984, perhaps the last one made before his death. As is well known, the text of the French philosopher was inspired by a text by Immanuel Kant of 1784, similarly entitled Was ist Aufklärung? which ended this way: “I do not know whether it must be said today that the critical task still entails faith in the Enlightenment; I continue to think that this task requires working on our limits, that is, a patient industry gives shape to the impatience of freedom.”

As it is known for Foucault, freedom is an ontological condition of ethics and at the same time this latter is the reflected form freedom may assume. I have always thought that in this indissoluble link between ethics and freedom there is much of the meaning, as well as of the role, that art has taken on itself, and that today it finds further reasons in the commitment to search for salvation.

 

Traduzione dall’italiano di Romina Fucà

 

 

[1] R. Gavarro, L’arte senza l’arte – Mutamenti nella realtà analogicodigitale, Maretti Editore, 2020

[2] M. Foucault, Estetica dell’esistenza, etica, politica – Archivio Foucault 3, Feltrinelli, 1998

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“LUDUS” MATEMATICO

 

La lametta, il semplice oggetto di uso comune che lega la gestualità quotidiana di uomini e donne, è utilizzata da Marco Angelini come strumento base del suo linguaggio, della sua ricerca artistica.

Il piccolo oggetto viene assemblato in forme aperte, chiuse e semiaperte secondo serialità che riportano alla memoria dell’osservatore i circuiti stampati di schede elettroniche: il massimo della razionalità umana nel sintetizzare operazioni complesse.

Le connessioni che l’artista propone non sono, pertanto, circoscrivibili al semplice “ludus’’matematico; sono, in nuce, un passo, una ipotesi di lavoro che può volgere verso quella che Giulio Carlo Argan definiva: “una esplicita, rigorosa ed avanzata analisi strutturalistica ed operazionistica, un iter già programmato su una metodologia di tipo logico matematico.’’

Una ricerca estetico-operazionale, quella di Angelini, destinata ad essere da semplice, lineare sempre più complessa e che si stende con forza su fondi di macchie che spesso ci riportano a Rorschach.

Sono macchie,infatti, che stimolano l’osservatore, che fanno pensare a continenti contrastati, alla deriva, alla ricerca di un ordine che possa irretirli.

Qui agisce l’artista sovrapponendo al ‘’contrasto’’ un processo di razionalità; è la razionalità della specie umana che elabora, costruisce, struttura e fa storia!

Angelini tenta di raggiungere con le sue opere un equilibrio visivo e sistematico di forme. Dice infatti Arnheim: ‘’a livello di percezione, l’aspetto di ogni elemento dipende dal posto e dalla funzione che esso occupa ed assume entro le strutture considerate nel suo unicum.’’

Le lamette, strumento del suo lavoro, poggiano su un tempo passato, quasi adagiandosi delicatamente sui segni della storia ma pronte a virare verso nuovi, ma sempre antichi scenari.

Angelini sulla linea di Fontana, è alla ricerca di una nuova e personale concezione dello “spazio artistico’’.

Dice, infatti, Lara Vinca Masini riguardo alla volontà di Fontana nel manifesto Blanco del 1946 che si ‘’ponevano le basi di uno spazio interpretato secondo rapporti diversi sia da quello rinascimentale, sia da quello ottocentesco, sia da quello cubo-futurista, uno spazio che tenga conto, cioè, delle conquiste scientifiche che usano lo spazio fisico e fenomenico come nuovo e più estremo strumento di comunicazione, capace quindi di collocare anche l’opera d’arte in una dimensione rinnovata, in rapporto alle possibilità offerte dai nuovi strumenti tecnico-scientifici, che si propongono come ulteriori mezzi tecnici e di attivazione della creatività anche per l’artista.’’

Maria Laura Perilli

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https://www.canaleenergia.com/rubriche/economia-circolare/quando-larte-incontra-leconomia-circolare/

https://www.elementplus.it/standard/arte-e-energia-nellopera-di-marco-angelini/

https://gruppoinveco.com/mce-expocomfort-2022-progetto-arte-ed-energia-a-cura-di-marco-angelini/

 

 

Angelini sofferma la sua ricerca sull’osservazione del sole che alimenta i pannelli fotovoltaici adoperando un sincronico sguardo indagatore sul tema ambientale.

I dispositivi narrativi di Marco Angelini sono il risultato di un intervento artistico effettuato su parti di pannelli fotovoltaici in disuso. Essi nella loro legittima funzione, “rubano” raggi solari per essere trasformati e utilizzati come energia elettrica… Angelini intuisce che il materiale da “rifiuto” possa ampliare il dialogo sulla sostenibilità ambientale e la conseguente proposizione della relativa dismissione.

Giusy Emiliano

 

Angelini focuses on his research on observing the sun that powers photovoltaic panels using a synchronic investigative gaze on the environmental topic.

Marco Angelini's narrative devices are the result of an artistic intervention carried out on parts of disused photovoltaic panels. In their legitimate function, they “steal” the sun's rays to transform and use them as electricity… Angelini feels that “waste” material can expand the dialogue on environmental sustainability and the consequent proposal for its deletion.

Giusy Emiliano

Translation from italian by Romina Fucà

 

 

Nelle opere pittorico-materiche di cm 60x60 gli scarti di un pannello fotovoltaico sono cristallizzati sulla tela e multiformi tagli prismatici riflettono effetti di luce restituendo vita al materiale. L’illuminazione interna, nascosta dalla cornice, diventa una possibilità alla luce naturale. Il rifiuto speciale assume una connotazione nuova da cretto a opera materica multiforme. I colori e le stratificazioni completano l’opera nell’equilibrio pittorico restituendo armonia e sintesi. La luce del sole illumina aspetti diversi perché gioca un ruolo attivo nella narrazione di luci e ombre.

Giusy Emiliano

 

In his pictorial-material works measuring 60x60 cm, the waste of a photovoltaic panel crystallizes on the canvas while multiform prismatic cutouts reflect the effects of light, giving life to the material. Interior lighting, hidden by the frame, becomes a possibility about natural light. Special waste takes on a new connotation from a crackle (cretto) to a multifaceted material work. Colors and superimpositions complete the work in pictorial balance restoring harmony and synthesis. Sunlight brightens different aspects as it plays an active role in the narration of shadow and light.

Giusy Emiliano

Translation from italian by Romina Fucà

 

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